Liliana Khoury Art

MIXTURAS. TALLER

2011-05-15T08:32:00.000-07:00

CENTRO CULTURAL RECOLETA
JUNIO-JULIO 2011
GUIA: LILIANA KHOURY

UN RECORRIDO POR EL COLLAGE, EL COLOR Y LA TEXTURA.

Pensar, crear, investigar sobre el collage es cotidianamente una aventura, de esto surgió

mi interés, ver que el collage se trasladó de las primeras experiencias generadas por Pablo Picasso a comienzos del siglo XX, de los “ papier coleé” de Picasso, a los papier decoupeé de Matisse, hasta la cultura contemporánea, visual, donde desde el pensamiento, la palabra, la imagen , todo se ha ido conformando al modo de un collage.

Nuestra cultura contemporánea es sin duda un fluir constante, cargado de entrecruzamientos e interrupciones….todo transcurre y todo se entrecorta: se torna fragmentario y parcial. Esta característica no ha aparecido de un día para el otro, tiene ya podríamos decir una historia y un proceso que la avala. Analizar ciertas vanguardias artísticas como el cubismo, con imágenes formadas por fragmentos ensamblados (solo parte de un todo) es ver en parte reflejado el carácter parcelario de las mismas. Lo mismo ocurre cuando recurrimos como forma de estudio al zapping televisivo; al video clip; a cierto cine no narrativo o a las contemporáneas instalaciones.

Parecería que son muchos los aspectos culturales que en definitiva reflejan a una sociedad que ha perdido cierta capacidad para abarcar totalidades; que se limita a mostrarnos todo como en porciones…en recortes de un todo que extrañamente se unen para formar una especie de collage. Esta cultura del collage, del fragmento, nos permite ver cada parte como un todo en sí mismo, no siempre se cumple la premisa de la percepción gestáltica, donde el todo es más que la suma de las partes.

En la civilización posmoderna, cada parte de una realización artística es una obra en sí misma, cada fragmento está conformado por una estructura propia, a veces con materiales diversos, con composiciones disonantes; cada fragmento muestra en sí mismo una lectura y una identidad que lo separa y permite su lectura fuera de la totalidad.

El curso abarca distintos usos de materiales y posibilidades creativas desde la aparición del

collage a comienzos del siglo XX, hasta la actualidad.

Trabajaremos desde los materiales más transparentes, hasta el aporte de texturas y volumen

que arriben a lo tridimensional.

El objetivo es realizar un recorrido por algunas estructuras compositivas, ofrecer una compactada visión de estructuras, materiales, formas, que se introdujeron en la creación artística durante el siglo XX, y lo que va del XXI .

Producir en la bidimensión y tridimensión algunas propuestas que sirvan al que asiste al taller, como disparador para su propia investigación.

Alejandro Botello Espacio y color en la obra mexicana contemporánea.

2011-05-15T08:10:00.000-07:00

La obra de Alejandro Botello nos lleva a recorrer espacios íntimos, sus series representan paisajes interiores, en algunas etapas con gran despojo de la imagen, con una visión mínima del color, apuntando a la expresión de la materia.

Su relación con la pintura surge desde lo gestual, la impronta de la materia sobre el soporte, muy a la manera del expresionismo abstracto, con una exploración del gesto a partir del automatismo, esto nos lleva a no observar el objeto, el paisaje, la forma, sino descubrir una visión exploratoria de la imagen, un espacio diferente, un juego visual no convencional. Allí, donde uno posa la mirada, encuentra una línea, una textura, un grafismo, que representan algo, tal vez un paisaje, una imagen interna, un lúdico entramado espacial.

Alejandro Botello va transformando la imagen sobre su tela hasta llegar a una síntesis, comienza a aparecer en su trabajo horizontes múltiples, franjas geométricas, que establecen un doble juego espacial, la imagen se fragmenta, se segmenta, y el observador percibe en simultáneo la alternancia del espacio, que se vuelve ambiguo, así se evidencian en sincronía dos visiones coexistentes producidas por el paralelismo de las franjas que establecen múltiples perspectivas, que generan límites y alternancias en su obra.

Esto lleva a Alejandro a una síntesis cada vez mayor, las franjas se acercan, se rozan, el color se neutraliza, o vibra en su máxima expresión, la pincelada oscila entre más texturada, y más suave, es que cada composición le plantea a Botello una búsqueda, una encrucijada a la cual resuelve con justeza.

Tal vez recordemos a un gran artista al cual desde mi óptica nos trae reminiscencias en la obra de Alejandro Botello, este artista forma parte del expresionismo abstracto norteamericano, es Mark Rothko, en el trabajo de ambos artistas la composición es llevada al borde de la síntesis, y el efecto espacial que logran es perturbador, lo máximo y lo mínimo se unen, en Alejandro, el horizonte se multiplica, la línea se reproduce, la placidez de la horizontal, la sensación de reposo, de quietud, se repite en un constante juego óptico .

Alejandro Botello, artista mexicano contemporáneo, nos brinda una propuesta en su obra que incentiva a ver más, a adentrarse profundamente en su espacio, a disfrutar su color, a olvidar la perspectiva cotidiana para sumergirse en un juego óptico donde el que observa, el que mira, encuentra distintos caminos para descubrir.

Liliana khoury-2011

Publicado en:

Punto&Aparte

HUGO OLDACH

2010-10-27T12:14:00.000-07:00

Bioconstrucciones
Hugo Oldach

Mínimo, sutil, laberíntico, es el recorrido que el ojo realiza a través de la obra de Hugo Oldach. Las formas se abren y cierran, transformándose en engranajes que a su vez se componen dentro de la superficie de la obra.
Ritmos vitales de la naturaleza, las cadenas de ADN, las células, los átomos, el universo... todo parece formar parte de algo mayor, un engranaje cósmico, cada fragmento se deriva en infinitas estructuras, armadas geométricamente, ensambladas, para a su vez formar parte de una entidad.
Hugo Oldach expuso en septiembre “Bioconstrucciones”, una enigmática muestra, en la galería: “ Laguanacazul”, donde los espacios laberínticos, las formas espiraladas y su inquietante imagen nos permitieron hacer un viaje a un mundo de características singulares.
De su obra nos dice Oldach: Los temas en mis trabajos, en su mayoría, están inspirados en configuraciones naturales, como es el caso de algunas formas en espiral, que remiten a conformaciones reiteradas una y otra vez en el universo, las galaxias por ejemplo. En otros casos la geometría ocupa el interés más inmediato, aunque al final, en la mayoría de los casos, la apariencia orgánica vivifica los rígidos límites geométricos.
Esa estructura de impecable realización, de bordes precisos, de abigarrada y comprometida composición confluye en una totalidad que lejos de ser rígida cobra vida al oponerse a lo orgánico, pero también trabaja otros opuestos, así la noche y el día, el frío y el calor aparecen en contrapunto generando una dinámica impensada en la obra donde subyace un intrincado juego de ensamble geométrico.
Oldach halló inspiración en culturas antigüas, Machu Picchu, es un referente, de ahí es que aparecen soles, símbolos, que nos conectan con formas ancestrales, también puso su mirada en la obra del constructivista Joaquín Torres García , así su imagen se nutre pero a la vez recrea y revitaliza los orígenes del arte, y emerge con la fuerza constructiva del andamiaje compositivo.
Dice Horacio Safons, refiriéndose a la obra de Hugo Oldach:” se desarrolla entre la escisión de la geometría y la voluntad orgánica de las formas”.Es verdad, se percibe la presencia de lo orgánico en su composición, lo orgánico anteponiéndose a la rigidez, a la estructura de lo geométrico.y acota Safons: “sus pinturas son construcciones que parecen desarrollarse en un tiempo pautado según la meditación y un sentido del movimiento que no altera la tranquila monumentalidad de la imagen. Contorno y superficie se unen para potenciar las formas envolventes, mientras el color se extiende sin estridencias, pero luminoso y, de alguna manera, enigmático.”
Y recurriendo al magistral cuento de Jorge Luis Borges me atrevo a encontrar puntos en común con la obra de este artista, es que Oldach descubre en su trabajo su propio Aleph, su propio cosmos, su intrincado universo. Es que Aleph, (según el cuento borgiano) es uno de los puntos del espacio que contienen todos los puntos.
Y dice Borges en “El aleph”:..”sí, el lugar donde están, sin confundirse, todos los lugares del orbe, visto desde todos los ángulos”.” Una sola vez en mi vida he tenido la ocasión de examinar los quince mil dodecasílabos del Polyolbion, esa epopeya topográfica en la que Michael Drayton registró la fauna, la flora, la hidrografía, la orografía, la historia militar y monástica de Inglaterra.
Es tal vez lo que se revela en la obra de Oldach, su propio mundo, íntimo, con una estructura y con engranajes propios, con una particular visión de la naturaleza y lo cósmico, con la presencia de la estructura de lo vivo, y de lo inerte, de los opuestos, ese misterio, su propio Aleph lo descubre en cada una de sus creaciones.
Las obras en su mayoría son de 1,50 X 1,50 m, trabajadas en acrílico, y revelan un detallado cuidado por la técnica y la tridimensionalidad.
Sobre el artista:
Hugo Oldach nació en Avellaneda, Provincia de Buenos Aires, en 1954. Es uno de los grandes artistas de la llamada “generación intermedia”. Ganó el primer Premio Adquisición de Pintura del Salón Nacional de Artes Visuales, en 2000 y es docente en el Museo Eduardo Sívori y en su taller del barrio de Almagro.

Liliana Khoury.2010

PUBLICADO EN REVISTA PUNTOY APARTE

La imagen y el entorno en la pintura de Alejandro Carosella

2010-10-12T18:42:00.000-07:00

Ingresar al mundo de Alejandro Carosella es descubrir el espacio que lo rodea, desentrañar los personajes que observa, rescatar lo mínimo y lo sutil que a veces pasa inadvertido, a través de los ojos y la percepción de un artista.

Es la obra de quien dimensiona el entorno, sus personajes, lo cotidiano, los vendedores ambulantes, las calles, los paisajes del barrio, su significancia, así surgen obras como: Diego el ferretero o Puntada inicial, son trabajos donde el personaje es el vecino, la chica que sube a la moto…un vendedor ambulante, un mecánico de barrio, escenas típicas que rodean a toda su obra nutrida con un despliegue de gran colorido, y estructurada a través del color y un sólido andamiaje geométrico.
Las figuras humanas están representadas en un estilo muy particular, caracterizadas por una imagen sintética, formas cerradas y una gran expresividad.
Según palabras del artista: “….mis últimas series están basadas en mi barrio, que es el lugar donde me crié y pude ver un submundo poético de color maravilloso…”, es que su obra está impregnada de un tono poético, su imagen está construída desde la luz, el color, la estructura cobra un lugar sobresaliente en su trabajo, Alejandro Carosella arma un andamiaje de luces, formas y colores, se descubre una lírica propia que magnifica el clima que se percibe en su trabajo, habla de poesía, así como los títulos de su obra, que en este caso, forman parte del relato. Así Alejandro expresa la belleza de lo cotidiano, posa su mirada en elementos que para él cobran sentido , el sol, un árbol, una calandria.
Dice Alejandro:..”con la pintura uno intenta llegar a ese estado ideal, el de la concreción, un puente invisible y sublime a la vez”. Destacando que le interesa expresar la actualidad desde su visión, donde se perfila como ingrediente un poco de humor, de ironía, una visión un tanto satírica, pero a la vez seria, donde le permite atrapar y poner un sello propio a los objetos, personajes, lugares, que lo rodean y lo inspiran.

Le resulta complejo saber a dónde arribar, él cree que no existe un puerto en el arte, en este caso su medio de expresión, la pintura, le descubre destinos a los cuales llegar, y es desde la libertad donde encuentra ese destino. Con un lenguaje personal elige plasmar esas imágenes, asombrarse con el color de las verdulerías, con la textura del mantel que cubre la mesa y sus mandarinas criollas, la visión de los enamorados andando en moto, esas son las escenas que lo motivan, que aparecen en su obra, que cobran vida propia bajo su pincel… “ sigo siendo aquél nene que se maravillaba cuando desparramaba los colores sobre las hojas, en el piso”…
Esta frase define al artista, Alejandro Carosella, quien pinta , vive, transita en un mundo con códigos propios, con imágenes de su intimidad, de su ideario, es del grupo de artistas que se definen por su personalidad, por su estilo, dejando una impronta, un sello que lo caracteriza. Su obra expuesta recientemente en la galería Sara García Uriburu, nos da cuenta de ello.

Publicado Punto & Aparte. Septiembre 2010
LILIANA KHOURY . 2010.

Alas y sombra de un planeta

2010-04-16T06:16:00.000-07:00

Publicado en PUNTO&APARTE.

ABRIL 2010.

por Liliana Khoury

Guillermo Caputti

Introducirse en la obra de Guillermo Caputti me conduce a la estética planteada por Edmund Burke sobre lo bello y lo sublime tan vigente en la obra literaria , artística y cinematográfica del siglo XX y la posmodernidad.
Descubrir elementos de lo bello y lo sublime en la obra de arte, es parte de un análisis de lo estético…así elementos como la noche y el día, la muerte y la vida, el ocaso y el alba, se traducen en la obra de este artista en dos de sus series más fuertes, en “Bestiario”, nos llevaría a pensar en lo sublime, lo visceral, en lo oscuro…, la otra serie, que Caputti nos descubre, “Alas y sombra de un planeta”, nos acerca a lo bello y a la trascendencia del ser.
Dice Omar Calabrese que estos rasgos estéticos pertenecen al neobarroco, esta estética de lo sublime, ya caracterizada por Burke, es una visión actual de la posmodernidad…, el cambio, la inestabilidad, la polidimensionalidad, la mutabilidad, el desorden, el caos, lo laberíntico o lo complejo…marcan rasgos de lo sublime, y esa primera etapa de la obra del artista contiene muchos rasgos de estos elementos. Obras como “Miominotauro”, donde se yuxtaponen huesos, músculos, formas animales y humanoides, así como en “Fósil”, “El guerrero”, que forman parte de la serie: “Bestiario”, nos señala una etapa que Caputti desarrolla en Italia, donde expresa esos sentimientos profundos e intrincados sobre lo humano , con características zoomórficas.
También es importante destacar la obra de Guillermo realizada entre el 77`y 78`, donde abandona la rectangularidad del cuadro para sumergirse en espacios cóncavos-convexos, laberínticos, Escherianos, realizados impecablemente con grafito, emergiendo de un círculo, o una forma oval, ahí Caputti expresa tal vez su propia idea del mundo, de la naturaleza, de lo arquitectónico entreverado con el hombre, de esta etapa podemos mencionar “ Laberinto sin Ariadna”( 1978), “Grafito”( 1978), y “La noche de los dones”, de ese mismo año.
Según sus palabras en la serie “Alas y sombra de un planeta”, nos dice: “ considero a esta serie como el producto de un contacto con un área de la existencia”, así describe lo que para él representa en su trabajo la llamada “Frontera”. Esa frontera es donde coexiste “ la doble sustancia de la realidad humana”; el artista, según su propio análisis siente que en ésto está involucrado el espíritu, el alma, e incluso la consciencia o psiquis, lo que comúnmente llamamos “ser interno”.
Por eso dice Guillermo:…”utilizo de modo indirecto metáforas visuales abiertas…aún sabiendo que esta flecha, por definición, no daría en el blanco..pero tal vez, arrastre, en el intento, alguna “belleza”.Es en esta etapa, en “Alas y sombra..”, donde aparece lo bello. Sobre Bestiario: "La infancia es la patria del hombre" y Bestiario tiene un fuerte componente de esa fantasía y energía, de la creación de seres fantásticos, concebidos desde un "olvido" de la naturaleza y estética humana, de acuerdo a otra genética surgida de una absoluta libertad creativa. Pero, de todos modos, el hombre siempre se refiere a si mismo, aún a través de ballenas blancas y metafísicas, como Melville. Bestiario es un largo y abarcativo período donde conviven "series dentro de la serie" y termina claramente en las obras realizadas en acrílico y óleo "La dimensión humana".
Según palabras del catálogo de la muestra “ Alas y sombra”, con la curadoría de Jorge Mensi :.. “Guillermo Caputti forma parte de esos raros artistas que con su trabajo de atenta observación continúan la búsqueda de expandir los límites del arte hacia su ser interno. En él, el pintor y el dibujante disputan cada centímetro de tela torciendo, estirando y doblando cada forma hasta hacerla suya y buscando nuevas combinaciones. En su camino encontrará monstruos y fantasmas, recuerdos y formas aladas que guiarán esa búsqueda hacia destino.”

Es poesía la que existe en la obra de Guillermo Caputti....la profundidad cósmica de su color, la línea, que aparece ondulante…y se sumerge en los azules, en la espacialidad de sus cielos y mares . Así como en otras obras de esta misma serie, los cuerpos emergen perspécticos, aparecen mutados con alas, con arquitectura, tal vez reflejos de su Italia, estas producciones traducen el vigor, la fuerza, el espíritu que imprime en ellas, en “Vuelo nocturno” y “Leyendas de la frontera”,el artista nos introduce en otra dimensión: “lo metafísico”.
Una visión del paisaje muy personal, con características que no permiten incluirlo en ninguna vanguardia, nos lleva a recorrer paisajes íntimos, imágenes terrenales, del espacio circundante, que sólo el artista, con el color, con la línea, con su vuelo, nos permite descubrir.
Hay que destacar que Guillermo Caputti también ama la docencia, así su doble tarea artista-docente, le posibilita transmitir a sus discípulos su energía, sus conceptos, su creatividad.
Alas y sombra de un planeta, nos lleva a su ser interno, nos permite explorar en su imaginario…, él se representa en su propia obra. “ Epifanía de pibe”, relata su infancia, su origen, el barrio, el potrero.
Esa obra es la que nos liga a su pasado, Guillermo Caputti describe un recorrido de su vida, de su sentir, que plasma en cada etapa de su creación.
guillermocaputti@yahoo.com.ar

A cielo abierto. Artistas en Plaza Cortázar.

2010-03-24T18:40:00.000-07:00

Por Liliana Khoury

Los sábados y domingos se desarrolla en el corazón de Palermo viejo, una feria de arte, en el predio de La Plaza Cortázar, este espacio, también conocido como Plaza Serrano, recibe a más de treinta artistas plásticos que exponen sus obras en un sector de dicho espacio.

La plaza está ubicada en la intersección de la calle Borges y la calle Serrano, a pocas cuadras de Avenida Santa Fe, este proyecto fue creado por la sociedad de fomento de Palermo Viejo, ellos percibieron la necesidad de establecer un crecimiento en lo cultural, de impulsar a través del arte una relación fluida entre público, el espectador y el artista. SOFOPAVI ( Sociedad de Fomento de Palermo Viejo) ha visualizado la necesidad de un aporte cultural a esta zona urbana, así el enriquecimiento es permanente, el grupo de artistas presentan una multiplicidad de obra que permite hallar un panorama del arte actual desde el dibujo, o el grabado, diferentes visiones y propuestas desde el
lenguaje pictórico, y otras expresiones de actualidad, donde la variedad de recursos e imágenes hacen del paseo una cita con el arte. El nivel de las propuestas es muy destacable, los artistas tienen recorrido propio, y se ven paisajes, figuras humanas, retratos, expresiones abstractas, en distintas dimensiones, ofreciendo al público una gama de obras variada y de nivel , pero lo más destacable es su objetivo: que haya una muestra permanente de arte, y también , como un plus de la actividad cultural que esto genera, ya que el público interactúa y se acerca a los artistas creando un agradable intercambio, que se puedan adquirir a un precio lógico, lo cual favorece al mercado del arte, y al artista, porque puede trabajar con su obra, venderla, y continuar con su crecimiento personal.
Esta feria fue declarada de “ interés turístico” por el gobierno de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires en el 2003, hoy continúa albergando a muchos artistas, un grupo de treinta y ocho artistas cada fin de semana y artistas invitados, que junto a la coordinación de una artista plástica, Irina Fallik y la supervisión de la presidenta de la Sociedad de fomento de Palermo Viejo, Marta Constantin encuentran este lugar para crecer y mostrar su obra.

Es destacable el nivel de los artistas que intervienen, mostrando diversidad de imagen y recursos, brindando la posibilidad de contactarse con el público, de que realmente haya un intercambio entre la gente que visita el lugar y quien produce la obra, podemos mencionar a muchos de ellos: Lobo, Ceci, Mateu, Chillemi, Quiroga, Muniek, Pirosanto, Seijas, Conde, Castro, Sanchez, Waldman, Russo, Haimovitz, Margulies, y otros, también asisten artistas invitados cada semana.

Todos compartiendo una misma pasión, el arte, conviviendo con el público, ofreciendo obra de calidad, verdaderos profesionales del arte, y la posibilidad de que el paseo sea algo más, ofrezca un espacio donde la arquitectura y el diseño circundantes, alberga a tantos artistas y tan variadas propuestas.., donde, a cielo abierto, uno pueda descubrir, que el arte se respira de otra manera, está en las calles, evade los espacios convencionales, para trascender y enriquecer a quien camina y visita la zona.

Publicado en Revista Punto & Aparte; Marzo 2010

Liliana Khoury. 2010.

Los laberintos infinitos. Eleonora Butín.

2010-02-10T17:26:00.000-08:00

Publicado por Liliana Khoury.

“No tengo una forma regular de transcurrir el día, mis horarios se ajustan a MI DESEO, que es el verdadero motor de mi existencia”.

Eleonora Butín.

Docente, tal vez no por elección, Eleonora realiza en su obra, magistralmente, la transformación del individuo en máquina. En sus trabajos plasma la angustia del hombre al sometimiento del trabajo, tal vez sea ese su motor, que visualicemos ese mundo diabólicamente pergeñado por la industrialización y el capitalismo, quizá por eso una imagen que nos introduce en el infinito, máquinas infinitas que forman parte de una inacabable y agotadora labor del hombre.Eleonora hace alusión a “Tiempos modernos” la película en donde Chaplin muestra desde el humor la tragedia de ser un engranaje más, dentro de la estructura de una fábrica, de una sociedad.Ama el ocio, el tiempo libre, el disfrute, pero mientras siente esto, se concentra en trabajar durante horas en su obra, minuciosamente describe fragmentarios y repetitivos objetos cotidianos, así aparecen sifones, cañerías, engranajes, canillas, elementos a los cuales describe encadenados, superpuestos, sucesivos, desarrollando así una trágica pero bella visión de la realidad.

Dibuja, pinta, hace serigrafía, grabado, no le gusta hablar de técnicas mixtas, sus técnicas son las tradicionales, a veces combinadas. No utiliza recursos tecnológicos, así logra efectos de luces y sombras verdaderamente enigmáticos, climas donde se percibe obsesión, donde se saborea la opresión de este mundo contemporáneo.

Inicia sus estudios en La Plata, luego en la escuela Prilidiano Pueyrredón. Obtuvo importantes premios entre ellos en el 2004 el primer premio en el Salón Nacional de Dibujo, en el 2002, ya había logrado el segundo premio en dibujo en el XCI Salón Nacional de Artes Visuales, y en el 2001 un segundo premio en la categoría “Dibujo”, en el museo Guamán Pomá de Entre Ríos, entre otros.Según sus propias palabras “mi obra refleja esa locura”, esa locura a la que hace referencia la propia artista, es parte de nuestro mundo, convivimos y padecemos cotidianamente con eso, sólo que Eleonora lo plasma virtuosamente; en cada imagen infinita, laberíntica, en la cual estamos atrapados, de la cual hay que intentar escapar.

LILIANA KHOURY

Publicado en Revista Punto & Aparte- diciembre 2009.

Actividad paranormal: terror y suspenso formateado.

2009-12-25T06:51:00.000-08:00

Por Jorge Jofre

Actividad paranormal es esencialmente un filme de estética escueta que logra un gran clima de suspenso y terror; que abre expectativas sobre posibles nuevos formatos cinematográficos.

Sabido es que si un disco rígido se formatea se pierde información grabada en él. En cierto modo el dato nos indica de que Orien Peli ha realizado con Actividad paranormal un formateado del cine de suspenso y de terror dejando atrás una tradición que arranca con el cine de Murnau y Lang. Si bien algunos críticos han hablado en Actividad paranormal de influencias: el planteo es totalmente original y su estructura no se asemeja mucho a nada filmado anteriormente dentro del género de terror. Ese nuevo formato es además el que le da el sustento al director para elaborar un relato donde es poco lo que se ve y mucho lo que se sugiere; donde todo genera una tensión sin baches que la debiliten.

Un argumento simple en su esencia, que reconstruye (y seguramente también recrea) los sucesos vividos por una joven pareja en su casa de San Diego. La crónica policial expuesta al final indica que Micah Sloat fue encontrado muerto en su domicilio y su compañera (Katie Featherston) se ha dado hasta el presente como desaparecida. El registro de sucesos reales le permite al director construir una narración que mantiene tenso al espectador a lo largo de todo el filme.

Micah instala en el dormitorio una cámara que le permitirá (según supone él) captar algún tipo de actividad paranormal acaecida en la casa durante el sueño de la pareja. Peli, pone mediante este recurso en pantalla lo que la cámara va registrando. Uno de los primeros días la puerta del dormitorio que se cierra y se abre; luego sonidos extraños y luces que se prenden en la planta baja. Así a angustia va ganando crédito en Katie, a medida que Micah le muestra lo que la cámara registró la noche anterior. La tensión aumenta cuando Micah pone talco en el piso y quedan registradas las huellas de una presencia que cada vez se atreve más. Traerán a un parapsicólogo que no se quiere comprometer con la situación. Katie entrará en pánico cuando es arrastrada y sacada de la cama mientras duerme…el desenlace se aproxima.

Si hay algo que estructura el filme y le da solidez es el acompañamiento de la cámara al relato. De noche mientras la pareja duerme la utilizada por el director es la que se supone que Micah colocó a los pies de la cama, dirigida hacia la cama matrimonial y la puerta del dormitorio que da a un corredor sumido en la oscuridad.En los momentos nocturnos en que Katie y Micah se desplazan a fin de averiguar que esta ocurriendo en la casa, la cámara es otra y se mueve bajo el pulso nervioso del operador. Sondea en la oscuridad de la escalera y la planta baja otorgando un carácter tétrico e inestable a las tomas. Planos y contraplanos se unifican en un barrido pendular de la filmadora y hacen perder al espectador hasta ciertas referencias espaciales tornando más inestables aún las imágenes.

Así es como Orien Peli recurre a una "manera de filmar" que no solo es ajena al cine norteamericano de grandes producciones y efectos (recordemos "2012" estrenada recientemente) como también a los conceptos estéticos básicos del cine de terror y suspenso. Notable es la situación donde Micah trae una tabla ouija que le han prestado; mas notable aún es como evita lugares comunes ante la presencia en el relato de semejante emblema con una larga tradición dentro del cine que intenta provocar miedo. La tabla se activa sola, fuera de la presencia de la pareja y bajo el registro de la cámara que torna cómplice de la circunstancia a un espectador que ya saca mediante estos datos sus propias conclusiones.

Como ocurriera décadas atrás con Noche de Brujas de Carpenter, seguramente que con Actividad paranormal estamos en presencia de un nuevo camino del cine de suspenso y terror que en un plazo breve tendrá eco en otros nuevos directores y en un público que todavía no sale de su asombro; que recientemente ha experimentado como el miedo se le incrusta en su cuerpo y lo invade bajo un nuevo formato al que no esta habituado.

Publicado en Pagina Digital 23-12-09

Jorge Jofre. 2009.

New York en octubre.

2009-11-11T17:16:00.000-08:00

Por Liliana Khoury

Espacio y arquitectura. Hiperrealismo en una galería de Chelsea.

Me habían dicho antes de viajar que en NY uno “desaparecía”, no existía… no creí en tal afirmación ya que la fantasía y la subjetividad cuentan mucho en la visión de cada persona. Pero mi primer día en Manhattan…me lo confirmó : toda la ciudad adquiere una dimensión fantástica, los edificios presentan características varias, conviven iglesias y templos clásicos con obras de estructura hipercontemporánea. Cada luz, cada reflejo, cada cúpula, hace que uno camine elevando la vista permanentemente, ya que el impacto visual es enorme. Uno parece por momentos estar viviendo dentro de un filme, a eso se suman las hermosas vidrieras, carteles luminosos y vegetación, que para esta época lucen con adornos navideños y de Halloween.

En NY todo adquiere una dimensión fuera de lo común: la altura de sus edificios; el Chrysler; el Empire State, son muestra de ello, cada espacio, cada detalle, está cuidado, el diseño es parte de la vida cotidiana, y por eso todo luce de manera espectacular. Una mención especial para Times Square, ahí, en sus escalinatas rojas de acrílico, iluminadas por dentro, cientos de personas de todo el mundo conviven sacando fotos decarteles luminosos, vidrieras y estructuras arquitectónicas. Hasta presencié una ceremonia matrimonial ante las cámaras y los ojos de todos los presentes que observábamos, con deslumbramiento, el improvisado altar, y la alfombra roja que se desplegaba desde la escalinata del Times Square junto con las estructuras decoradas con flores engalanaban ese dichoso momento, mientras que a los costados los carteles luminosos centelleaban permanentemente.

En cuanto al arte, las galerías que antes pertenecían al Soho, se trasladaron hacia Chelsea, son aproximadamente unas cien, me llamó la atención en especial la obra de una artista trabajada en escultura, con carácter hiperrealista, que por su planteo, y la estratégica ubicación en el exterior e interior de la galería, provocaban en el espectador la sensación de estar ante personas reales. Nuevamente el espacio y la arquitectura exterior e interior permite apreciar la obra de un creador en su máxima expresión. También se pueden observar obras provenientes del pop, o la abstracción, así como muchos realizadores tienen una característica expresionista en sus trabajos. Cabe mencionar que la multiplicidad de materiales y recursos técnicos es impresionante, desde láser para calar y cortar, hasta troqueladoras que sirven para perforar el papel con diseños muy variados. Uno descubre que el artista cuenta con todos los medios tecnológicos para desarrollar su idea, y también los materiales más variados.Se respira arte, se vive dentro de una ciudad donde lo espectacular se vuelve cotidiano, se juega con la sorpresa del espectador, todo se vuelve posible…como en el cine, aunque uno no exista.

Publicado en Revista Punto & Aparte.

Liliana Khoury ( octubre 2009)

Schifrin y el cine

2009-10-12T13:55:00.000-07:00

Por Jorge Jofre.

Cuando Fernando Ayala filmó “El jefe” (1958), sin duda abría la posibilidad a un cine de denuncia y comprometido. Las palabras del propio director confirman el carácter del filme: “… es la demostración de que todo jefe esta mintiendo. El caudillo surge a causa de la mediocridad”. Por otro lado también le brindaba a un joven músico la posibilidad de realizar su primera banda sonora. Así fue como se inició Lalo Schifrin en el mundo de la música unida al cine.Diez años después Lalo Schfrin tendrá a su cargo la banda sonora de un notable filme de acción “Bullit” (Peter Yates; 1968), rodado en las calles de San Francisco y con una de las mejor logradas persecuciones de autos de la historia del cine. La creación del argentino brinda un excepcional marco a la figura de Steve McQueen. Schifrin omite la presencia de música suya durante la secuencia de la persecución “aludiendo a que la banda sonora ya era lo suficientemente poderosa así como estaba”. En 1971 Schifrin realiza la banda sonora del primer filme de George Lucas: “THX 1138”. Una obra anterior a “Star Wars” en la que se notan la clara influencia de filmes como “Fahrenheit 451 “o la emblemática “Alphaville” de Godard. Sin duda un nuevo desafío para el músico que ahora debe realizar la banda sonora de un filme de ciencia ficción. Gran trabajo de Schifrin que debe abandonar el sonido que acompaña a la denuncia de “El jefe” o a la acción de un policía violento, para ambientar ahora, un mundo con” androides; confesionarios automáticos y el consumo obligatorio de drogas que suprimen el deseo”.Si duda alguna que “Enter the Dragon” (Robert Clouse; 1973) es otro desafío en la carrera de Lalo Schifrin como creador de bandas sonoras. El filme, estrenado en Hong Kong a pocos días de la muerte de su protagonista (Bruce Lee) marca el punto de inflexión con un cine ultraviolento producido en oriente; un cine del cual serán sucesores muchos directores chinos de décadas posteriores.Lamentablemente este importante ciclo dedicado a Lalo Schifrin (Virasoro Bar; los martes de octubre a las 22hs.), no incluye “Harry el sucio” de Don Siegel; filme que protagonizado por Clint Eastwood ostenta una de las mejores bandas de sonido que realizara el músico.

Jorge Jofre. 2009.

Cocco Santángelo

2009-10-07T15:56:00.000-07:00

Por Liliana Khoury

Piedras, yunques , cuernos de animales, aparecen en la obra de Cocco Santángelo como símbolos de poder; del trabajo… la laboriosidad del artista se imagina sobre ese yunque , erguido como una formación totémica centrada y en equilibrio con otros fragmentos que componen la obra. También se hace presente el círculo, la esfera, e imágenes extraídas de culturas indoamericanas; estructurando una obra donde el elemento sígnico adquiere relevancia.
En sus trabajos presenciamos multiplicidad de lenguajes y recursos técnicos, finos trazos, sutiles estructuras que sostienen el fuerte andamiaje de su imagen; Cocco Santángelo, establece en su iconografía un recorrido profundo por diferentes lenguajes artísticos que signan a la misma. Aspecto que sumado a sus vivencias personales y sus variadas moradas en distintos lugares de Europa y América, ha ido enriquecido su visión del arte y del mundo. Es por este hecho que su obra ha ido creciendo y transformándose bajo el influjo de nuevas culturas y la incorporación de variados lenguajes estéticos.
Así, como un laborioso orfebre, dibuja los hilos que entretejen su trabajo, de los negros fondos emergen formas pregnantes, piedras esgrafiadas como en una escritura milenaria, pensadas por el artista como parte de un “mensaje” que quiere hacer llegar al observador, todo este misterio nos retrotrae al pasado, a la tierra, a lo americano, es que Cocco Santángelo ha nutrido su obra a partir de sus vivencias… como quien trabaja la tierra, laboriosamente, él trabaja en su obra, nutriéndola y acariciándola con sus herramientas predilectas. Así es como la imagen del yunque aparece porque, entre otras cosas, también forma parte de su propio arsenal de herramientas; porque en algún momento también sirvió para moldear algún componente de la obra suya.
Si tenemos en cuenta, en sus cuadros o esculturas, la presencia de fuertes estructuras plásticas es cuando nos surge el rol del contemplador ante los mismos. Por un lado el observador, puede penetrar la imagen participando de su misterio, mientras que si se sitúa desde afuera queda expectante ante ese espacio íntimo que plantea el artista. Este hecho nos inclina además a deducir, enrolados como contempladores, que en la obra de Cocco Santángelo se establece un doble juego donde el objeto se sumerge en la infinitud del espacio que lo rodea, y en la misma imagen. Entonces, como en una doble lectura, la dimensión se revierte y en un compás de luces y sombras se acerca al objeto y lo abraza, dándole un marco en tan solitario territorio.
En algunas obras del artista, aparece enigmática la presencia de lo humano, a través de algunas figuras que revisten la apariencia de vestales, hieráticas, solitarias, perfectas anatómicamente; emergiendo del paisaje…encuadradas en ocasiones por la presencia de alguna recta precisa...
Dimensión metafísica la de la obra de Cocco Santángelo , que nos conduce a recordar la palabra de Jorge Luís Borges: “…Ese proyecto mágico había agotado el espacio entero de su alma; si alguien le hubiera preguntado su propio nombre o cualquier rasgo de su vida anterior, no habría acertado a responder. Le convenía el templo inhabitado y despedazado, porque era un mínimo de mundo visible.”.
El “proyecto mágico” se percibe en la obra de Cocco Santángelo. El artista en su hacer con sus manos, con sus herramientas, introduce al observador, en su propio mundo de creador; establece códigos y lenguajes que fluyen en sus imágenes; que nos dejan entrever un mensaje, sólo descifrable para quien participe de este hecho estético.

Prólogo para carpeta de arte de Jorge Cocco Santángelo.
Liliana khoury (2007)

Alberto Heredia en MUNTREF

2009-09-20T16:15:00.000-07:00

Por Liliana Khoury

” Soy perfectamente consciente y lo hago en forma deliberada cuando digo que aquí hay una parte literaria, una parte escenográfica, una parte ambiental, todo eso reunido para una expresión.”.
Con estas palabras el propio Heredia se refiere a una obra que presentó en noviembre del 78 en la Galería Arte Múltiple, El ropero M.C. o de la novia. En esta obra, como en tantas otras que se ven en la muestra de la MUNTREF, Heredia, relata una historia romántica, según su propio experienciar, ese ropero, utilizado por el artista, resignificado, formaba parte de un relato; ese ropero, objeto cotidiano, tal vez encontrado por azar, pasa a ser parte de una historia romántica, le permite tejer historias, armar una escena, tal vez a modo de telenovela (pág. 110 del libro del MAMBA).
En otra obra, aparece el mismo personaje, la novia, esta vez representada por unos bellos zapatos de raso, puestos sobre una caja… ese elemento se transforma en algo sagrado. Esa es la madeja del ovillo que teje Heredia a través de una historia romántica tal vez todo esto se complete por su atracción por lo kitsch, así la sumatoria da una obra de características muy personales.
Tal vez esta obra se aleje de las Cajas de Camembert , confeccionadas con materiales de deshecho, a través del assemblage ( técnica de pegado de objetos a una superficie plana).Con ellas pinta una realidad escatológica, dramática, en ellas fusiona la soledad, la angustia. Según sus propias palabras:”….buscaba mi propio medio de expresión, medio íntimo, medio personal y descubría mis mundos: el sexo, la religión, la vida y la muerte. Las Cajas de Camembert comienzan en la vida y terminan en la muerte….”.
El collage y el deshecho forman parte de la expresión de este artista, los materiales: telas, caños, cartón, objetos… se imbrican y construyen en la obra. El color, unifica también la superficie, es que la sumatoria de elementos requiere una unidad a través de la pátina o el tinte. En algunas obras el rojo es intenso, en otras a la imagen trágica le acompaña veladuras negruzcas… las que remiten al relato, al amor, son plateadas….
Ruda, fuerte, impactante… deja huellas en la memoria de quien las observa, su lenguaje transmite dolor, sus imágenes son una crítica mordaz a una sociedad muchas veces indiferente. Sus materiales son los que se encuentran al azar, pero en Heredia todo se resignifica, todo vuelve a tomar su lugar en el mundo.
El mundo según su propia y comprometida visión.

Liliana Khoury.
Publicado en Revista Punto & Aparte. 2009

PhotoSuisse- MUESTRA FOTOGRAFICA EN EL BORGES

2009-06-07T13:35:00.000-07:00

El jueves 23 de Julio se inaugura en el C.C.Borges una muestra auspiciada por la embajada de Suiza.

Llega PhotoSuisse al Centro Cultural Borges
Excepcional muestra de 28 fotógrafos suizos en el Borges

El jueves 23 de julio a las 19 se inaugura en el Centro Cultural Borges, "PhotoSuisse", una exposición antológica que ofrece una mirada sobre la fotografía suiza contemporánea en la que participan 28 fotógrafos de todas las edades y de todas las regiones de ese país. Entre los cuales se encuentran algunos de los reporteros más importantes del mundo.

Lo que comenzó como una serie televisiva del ente público suizo SRG SSR Idée suisse, que mostraba el trabajo de 28 fotógrafos y sus diversas motivaciones para disparar el obturador, pronto se convirtió en la muestra fotográfica que se inaugura en el CC Borges.

La exposición ha sido exhibida con anterioridad en otros lugares, como el Museo de Arte de Zapopan y el Centro de la Imagen, en México, y el Museo Caraffa en la ciudad Córdoba, en Argentina. PhotoSuisse reúne tanto obra de los más jóvenes valores de Suiza, como Olaf Breuning, nacido en Schaffhaussen en 1970, como tomas de lentes consagradas como aquella de Jean Mohr, oriundo de Ginebra (1925).

Desde su concepción original, el proyecto se concentró en fotógrafos vivos que crearan su propio mundo de imágenes, excluyendo de la selección tanto a la fotografía publicitaria como a la fotografía de moda, ambas con un criterio distinto al de aquellos proyectos llevados a cabo por una motivación personal.

La exposición está centrada en tres temáticas: Matrix, Medio social y Medios de prensa. "Matrix, el examen de la superficie" es una serie que relaciona el poder de la lente con la apariencia de las cosas y los objetos. La cámara capta lo mismo un paisaje boscoso, una montaña nevada o la desolación de un paisaje devastado. Los trabajos se interesan en la representación del mundo, registrando los fenómenos y dando cuenta de la presencia de los objetos.

En "Milieu, el espacio social", los fotógrafos se vinculan con la experiencia del mundo y se interesan en sus acontecimientos. Muestran al hombre y a los lugares que frecuenta y subrayan el espacio social que emplea o que crea. Se refiere al ámbito social de la fotografía, es decir, el fotorreportaje.

"Media – La relación con las imágenes" es el tercer segmento, que vincula la fotografía con los medios de comunicación y propone obras que tratan de la representación del mundo en los medio.

La muestra permite apreciar no sólo una interesante variedad de imágenes de variados estilos sino también entrar en contacto con verdaderos monstruos sagrados del género. Como Manuel Bauer, quien pasó tres años documentando la vida diaria del Dalai Lama, de lo que han resultado unas 70.000 imágenes. Pero Escapando del Tibet es su más famoso reportaje. En él acompañó a una niña de seis años y a su padre, en un viaje desde el Tibet hacia el exilio en la India, para que la pequeña pudiera recibir la educación tibetana que le impedía el gobierno comunista chino.

Otro creador digno de recordar es Baltasar Burkhard, quien toma sus fotografías en las locaciones más extremas del mundo. Viajó a Río Negro, al Amazonas, y al desierto de Namibia. Voló sobre grandes metrópolis como la Ciudad de México, Chicago, Los Ángeles y Tokio y sobre el glaciar Bernina, actuando no con la emoción del momento, sino con el cuidado de un fotógrafo de estudio clásico. Sus imágenes de gran formato en blanco y negro, retratan estos lugares con una técnica perfecta, con gran profundidad de campo y una iluminación tan precisa, que parece casi científica.

Georg Gerster comenzó a tomar fotografías aéreas hace más de cuarenta años y desde entonces ha pasado cerca de 3500 horas volando sobre más de cien países y tomando un millón de fotografías con su cámara de 35 mm. Una colección de vistas aéreas con una belleza que deja sin aliento.

Alberto Venzago ha enfrentado todos los peligros, para él ninguna historia es demasiado peligrosa: ni el crimen organizado en Japón, ni la revolución en Irán. Ganador del Premio Robert Capa ICP, sus fotorreportajes han sido publicados en revistas como Life, Sunday Times y Stern. Venzago trabajó durante cuatro años para la agencia Magnum y vivió cinco años en Tokio para hacer un reportaje sobre la mafia japonesa. Entre los años 1988 y 2003, hizo 15 viajes a Benín para realizar su proyecto fotográfico y cinematográfico llamado vudú.

Jean Mohr quería ser pintor pero cuando mostró sus imágenes de Palestina a Henri Cartier Bresson, este le aconsejó "seguir tomando fotografías en su tiempo libre”. Conmovido por sus palabras, decidió dedicarse a la fotografía. Comisionado por diferentes asociaciones internacionales, viajó por Asia y África. No documenta la violencia ni el horror sino que siempre se presenta en los lugares de conflicto -catástrofes, guerras, crisis- antes o después de los acontecimientos, pero no durante su desarrollo. Toma fotografías de refugiados y prisioneros de guerra, así como la vida diaria en la que prevalece el sufrimiento de mujeres, niños y ancianos.

La exhibición de PhotoSuisse está auspiciada por la Embajada Suiza en Argentina y Pro Helvetia. La muestra contó con la colaboración de la Fundación Suiza de la Fotografía e instituciones de distintas regiones de Suiza, como el Musée de l´Elysée en Lausanne, el Museo Cantonal en Lugano y el Fotomuseum Winterthur.

Centro Cultural Borges
Viamonte esq. San Martín
5555-5359 / 4311-4865
www.ccborges.org.ar

Sexta Muestra de Cine Europeo

2009-05-17T10:05:00.000-07:00

Por Jorge Jofre.

Ciclo de cine europeo en la Alianza Francesa.

Eventos como este dejan en evidencia la presencia de un cine reflexivo; de respuestas más lentas; de acción pausada…muy distinto al vertiginoso cine de factura norteamericana
De todos modos, pese a la posible lentitud del relato, es un cine que piensa en profundidad; que alterna distintos géneros: el drama; el relato histórico; la comedia costumbrista; el humor negro; tampoco esta ausente el compromiso político. Es un cine de diversidades culturales que puede mostrar tanto la tortuosa vida del Caravaggio (Caravaggio, Dir: Angelo Longoli, Italia), como el trabajo en las minas de carbón de Ucrania o el cementerio de barcos de Gaddani en Paquistan, a modo de reflexión sobre el futuro destino de los trabajadores manuales (La muerte del trabajador; Dir. Michael Glawogger; Austria). Sin olvidar – dentro de esa diversidad cultural- al atrevido cine de humor alemán (Decisiones de ultratumba, Dir: Marcus Rosenmüller, Alemania) ; a un filme que en poco más de 6 minutos nos concientiza de los destinos climáticos de nuestro planeta ( El refrigerador, Dir: Pavel Sobek- Lucie Stamfestová, República Checa) ; a 7 mesas ( De billar francés) de la española Gracia Querejeta…una colorida pintura de la lucha por sobrellevar ciertas instancias de la vida; o a Novias ( Dir: Pantelis Voulgaris; Grecia) una interesante historia que tiene como tema central a setecientas novias que viajan en barco a América para concretar sus matrimonios y a un fotografo…una historia donde los personajes generan situaciones que perfilan a una sociedad de principios del siglo XX.
Esto es solo parte de lo que se puede ver...el ciclo es imperdible para los amantes del cine.

Del lunes 18 al viernes 22 de mayo.
Alianza Francesa de Buenos Aires: Córdoba 946, Auditorio.
Informes: TEL: 4322-0068

Harry el sucio – Gran Torino…un ciclo de cine violento.

2009-04-28T15:53:00.000-07:00

Por Jorge Jofre.

La aparición en el mercado, a fines del 2008, de una edición en DVD del filme de Siegel Harry el sucio (1971) y el estreno a comienzos de este año de Gran Torino(2008) constituyen los extremos de una temática que tiene por eje la extrema violencia y una justicia “ por propia mano” y al margen de la ley.

Cuando Clint Eastwood irrumpe en la pantalla personificando al detective de homicidios de San Francisco Harry Callahan, la estructura del ya antiguo policial negro norteamericano se derrumba bajo el influjo de este filme. Le aplica una estocada mortal a la era de los detectives privados creados por Hammett; Chandler y Mac Donald En su lugar establece a un protagonista cargado de violencia...sin códigos ni leyes.
“Se lo que estas pensando, si disparé las seis balas o solo cinco. La verdad es que con todo este ajetreo yo tambien he perdido la cuenta.”...así inicia su monólogo frente a un salteador de bancos que se halla herido en el suelo a su merced, lo apunta con lo el propio Harry califica como el arma mas poderosa en existencia.
Eastwood volverá a encarnar a Harry Callahan en otros cuatro filmes…La lista negra (1988) será el último, luego tomará como actor y director otros destinos…Los puentes de Madison; Río Místico; Cartas desde Iwo Jima…. Ya próximo a un retiro anunciado es entonces que protagonizará y dirigirá Gran Torino.
En este último filme, desde los primeros momentos y a medida que transcurren los hechos, tenemos la idea de que nuevamente veremos a aquel Harry Callahan que hiciera famoso a Clint Eastwood en Harry el sucio…obsesivo; seguro de sí mismo; de pocas palabras; frío hasta el hartazgo...Todo da el perfil del antiguo policía de San Francisco.
Solo que Walt Kowalski (Clint Eastwood en Gran Torino) ha trocado su placa de policía por las medallas ganadas como veterano de la guerra de Corea; ha sido operario en la línea de producción de la Ford. Ahora solo se dedica, tras quedar viudo, a beber cerveza en el porche de su casa o con sus amigos; a cortar el pasto y a cuidar su Gran Torino, al cual el mismo le colocó en la fábrica su árbol de dirección.
Pero, casi repentinamente el filme sufre un golpe de timón. La Norteamérica de Kowalski no es lo que era la de Harry Callahan…la bandera que hondea en la puerta de su casa casi como un ícono de un nacionalismo xenófobo pierde vigencia y credibilidad. Aparece un Walt Kolwaski de carne y hueso que siente y se preocupa por lo que ocurre mas allá de su jardín; que es capaz de inmolarse en actitud redentora. Harry ha entrado al punto del ocaso de los héroes y su poderosa Mágnum ha comenzado a resultarle una carga muy pesada de llevar. De esta forma es como Eastwood cierra un ciclo abierto cuatro décadas atrás.

Jorge Jofre.

Publicado en Pagina Digital, 27-4-09

Grupo Espartaco.

2009-03-15T15:50:00.000-07:00

Por Liliana Khoury

Arte, cultura y educación “...El arte, no puede ni debe estar desligado de la acción política y de la difusión militante y educadora de las obras en realización. El arte revolucionario latinoamericano debe surgir, en síntesis como expresión monumental y pública. El pueblo que lo nutre deberá verlo en su vida cotidiana. De la pintura de caballete, como lujoso vicio solitario, hay que pasar resueltamente al arte de masas, es decir al arte” (Grupo Espartaco).

El final del “Manifiesto por un Arte revolucionario en América Latina”, redactado por el Grupo Espartaco en 1959, nos habla de su posición política y artística. No es casual que sus integrantes hayan elegido como medio de expresión la pintura mural, para expresar lo que sentían, encuadrados en la realidad socio-política que les tocaba vivir por la década del ‘60 en la Argentina. El impacto se produce cuando uno observa, las 54 obras expuestas de: Esperilio Bute; Ricardo Carpani; Pascual Di Bianco; Susana Elena Diz; Raúl Lara Torres; Mario Mollari; Juan Manuel Sánchez; Carlos Sessano y Franco Venturi. El Grupo Espartaco trabajó desde 1959 hasta 1968. Tal vez, la trascendencia que cobraron en el mercado del arte, determinó la disolución del mismo; sus integrantes sentían que sus ideales sociales no eran compatibles con el ámbito de las galerías de arte de la época. En Espartaco, se unieron los sentires de varios creadores pregonando, un arte netamente latinoamericano, con la presencia de lo indígena. También acaparaba su atención los obreros, el humo de las fábricas y los grupos familiares. Las imágenes marcadamente políticas como “Marines 65” (Juan Manuel Sánchez), donde las cabezas de los soldados aparecen representadas por duras calaveras y gruesos contornos negros, se hallan entre las preferencias del grupo. Espartaco, es marcadamente figurativo. Sus obras son de características monumentales, no solo por el tamaño, sino por las forzadas perspectivas de los escorzos, que exageran aún más la imagen al modo de los muralistas mexicanos. Seguramente Orozco, Guayasamín o Siqueiros han sido fuente inspiradora de los artistas del grupo. Particularmente, en Mario Mollari, se percibe el influjo del pintor brasileño Cándido Portinari. Sin embargo, los integrantes del grupo, lograron enriquecer con su aporte personal las imágenes de sus cuadros, trascendiendo así dichas fuentes. En las obras de Espartaco, se traduce la vida del campesino y del obrero (proletario). Todos buscaron un lenguaje contemporáneo para expresar el trabajo y las luchas sociales. En las pinturas de Carpani (líder del grupo), al igual que en las de Pascual Di Bianco se aprecian personajes de cuerpos pétreos y masivos. Resta aclarar que en el caso de De Bianco, los cuerpos, se estructuran no solo por una fuerte urdimbre geométrica, sino por una pincelada corta que le otorga a la superficie la textura propia de la piedra esculpida. En “Mujer con choclos” de Juana Elena Diz, es el color el que dialoga con el observador. La mujer de piel morena y vestido rojo aparece dentro de un maizal, rodeada de amarillos y ocres; llevando choclos entre sus manos. Hablando de Mario Mollari, debemos destacar, la notable composición de sus obras; la impecable estructura geométrica que subyace en cada una de ellas, ya sean realizadas en carbonilla, óleo o técnicas mixtas. En Juan Manuel Sánchez se hace relevante el tratamiento matérico, el color y la resolución de la imagen. . La ausencia de la figura humana hace destacar aun más a “Fábrica” (1965) y “Paisaje de barrio” (1993). Son paisajes devastados y sombríos, que, sin embargo, nos posibilitan intuir que, de todos modos, en ellos el hombre está presente; ha dejado su huella, ha tendido la ropa detrás de los muros de las casas. De Espartaco nos ha quedado un gran legado: la fuerza de sus convicciones; la lucha a través del arte; el amor a la propia tierra; el respeto por el indígena y el trabajador... grabado en la historia del grupo y en sus obras. (En MUNTREF, de agosto a octubre del 2004)

Publicado en Punto & Aparte. Octubre 2004.

1

FRANCIS BACON

2009-03-08T07:59:00.001-07:00

Por Jorge Jofre

Alcohol, juego y obsesiones vinculadas al horror y lo siniestro alcanzan medianamente para definir la personalidad de Francis Bacon; pero no bastan para calificar la obra de un artista que criticó con dureza a la sociedad que le tocó vivir.

Es sabido que Francis Bacon se mostró en ciertos momentos de su vida como un jugador compulsivo. “me gusta el ambiente de los casinos” expresó en una entrevista. Le apasionaba la ruleta y jugaba mucho dinero en un casino cercano al Soho. Como muchos creadores también supo relacionarse con el alcohol. Bebía copiosamente pero no eligió como el poeta galés Dylan Thomas morir bebiendo 18 whiskies dobles.
Desde su inauguración en 1949, el artista asistía por las tardes al Colonial Room Club; un lugar plagado de fuertes bebedores, muchos de los cuales se vieron plasmados en sus célebres retratos de los años ‘60. En Bacon, a diferencia de Thomas, el vicio nunca superó al hombre y especialmente al artista que llevaba dentro. El afirmaba que: “en lo que se refiere a mi vida me dejo llevar. Voy de bar en bar y todo eso “. Pero jamás se alejó de la creación.
Tal vez el vicio por las imágenes fue más fuerte en Bacon que el juego o el alcohol. El pintor estuvo durante mucho tiempo obsesionado por la imagen del “Retrato de Inocencio X “de Velásquez. Siempre se refería a esa obra como “…uno de los más grandes retratos que se hayan hecho jamás…una obra por la que siempre fui obsesionado”. Bacon compró un libro después de otro con reproducciones de ese cuadro y en 1953 produjo su famoso “Estudio del Retrato de Inocencio X de Velásquez”. En este estudio, el Papa, abre su boca como quien profiere un grito poderoso; se observan los perlados dientes y las oscuras fauces. Curiosamente aún de visita en Roma siempre evitó ver la obra original de Velásquez.
Llamativamente sus obsesiones son contradictorias. Pese a su apasionada relación con la imagen de Inocencio X, el artista declarará: “ Creo que Velásquez pensaba registrar la vida de la corte y la de ciertas personas…pero hoy un artista verdaderamente válido estaría obligado a burlarse de un tipo de pintura semejante. Sabe que esta situación particular podría ser narrada en una película; así este aspecto de su actividad ya fue sustituida por otra…”.
El coleccionismo de fotografías era en un referente fundamental de su pintura: “Cualquier fotografía te puede sugerir imágenes….he contemplado toda clase de fotografías, me interesan por sí mismas .Las de animales salvajes me atraen en especial…”.Fue capaz hasta de utilizar como referencia en algunos de sus cuadros, un manual sobre las posturas que debía adoptar el paciente cuando se le aplican rayos X.
En su estudio de Londres, una habitación con escasa ventilación e iluminada mediante luz eléctrica, las fotografías recortadas de diarios y periódicos ilustrados cubrían las paredes. En los rincones, en medio de un gran desorden, los libros y las revistas formaban enormes pilas. El artista necesitaba ese “caos privado” para crear sus célebres lienzos; necesitaba de ese caótico archivo visual para hacer volar su imaginación. Así fue como las imágenes en secuencia de Edward James Muybridge, un pionero (en pleno siglo XIX) de la fotografía del movimiento, también le sirvieron al pintor. Los volúmenes de Muybridge (“El hombre en movimiento” y “Animales en movimiento”) dieron origen a obras como “Dos figuras” y “De Muybridge: mujer que llena un jarro con agua y niño paralítico a gatas”.
Estando en Paris, Bacon compró un libro con imágenes sobre las enfermedades de la boca. A partir de ese momento le otorgó gran importancia a las bocas de sus personajes, pese a que siempre afirmó curiosamente que: la mayoría son negras porque nunca he conseguido que ninguna me saliera bien…”.El pintor supo reflejar en sus bocas ciertos aspectos de la crueldad del hombre; tal cual como lo hiciera siglos antes el Caravaggio. La mayoría de las bocas abiertas de sus cuadros parecen dejar escapar un silencioso grito de horror; son las protagonistas de la tragedia que el pintor traza sobre el lienzo crudo.
A comienzos de la década del ‘40 mientras otros artistas británicos como Graham. Sutherland o Henry Moore ya eran famosos, Francis Bacon, luchaba entre el fracaso y el éxito. Recién en abril de 1945 con sus “Tres estudios para figuras a los pies de una cruxificción” alcanzará la meta e iniciará el camino de la fama. En estas tres obras se explaya con claridad el horror baconiano. Un horror profundo y sentido que parece venir de las entrañas de su pintura…un horror que parece acometernos con filmes como “El silencio de los inocentes” o relatos como “Doble asesinato de la rue Morgue” de Poe u “Otra vuelta de tuerca” de Henry James. En su obra pictórica, Francis Bacon, refleja metafóricamente “el trato brutal que los hombres infligen a los otros hombres; el mal trato de los animales; las deformaciones congénitas de algunos humanos…”.
Duro crítico de su propio hacer, ello lo llevó a destruir la mayoría de sus producciones juveniles. Cuando se refería a sus “Tres estudios para figuras a los pies de una cruxificción” de 1945, expresaba: “comencé con esta obra...”…nos quería indicar que con ella había nacido el artista.

Publicado en El Periódico. La boutique del libro. Año 5 Nº 20. Abril 2001.
Remixado Jofre 2009.

El grabado de Iglesias Brickles y los dibujos de Rep.

2009-03-01T15:58:00.000-08:00

Por Jorge Jofre.

Dos comentarios. Uno sobre Iglesias Brickles: un notable grabador; otro con relación al dibujo de Rep.

Los enigmáticos “grabados” de Iglesias Brickles.

Si situamos nuestra mirada desde el estricto campo del grabado, el cuerpo fundamental de la obra de Eduardo Iglesias Brickles ( Curuzú Cuatía, 1944), rápidamente se nos plantean una serie de contradicciones. En una gran parte de lo producido a partir de los ‘90, Iglesias Brickles, nos priva con sus “xilopinturas” de la posibilidad más grande del grabado: la de permitir reproducir varias veces una misma imagen sobre el papel. Las “xilopinturas” del grabador correntino se concretan a partir del simple hecho de pintar, con tintas y óleo, la superficie del taco de madera y los cavados efectuados por la gubia. Es de este modo como el “taco” ya no sirve para estampar; pasa de ser un vehículo para reproducir a una obra en sí mismo…una pieza única.
Tal simbiosis de xilografía y pintura, le permite a Iglesias Brickles, desplegar plenamente una imaginería donde confluyen varias estéticas ya consagradas (el expresionismo alemán, la pintura metafísica, el simbolismo ochocentista, el pop) y algunos recursos tomados de la historieta y el afiche.
Pero todo lo expresado, creo que solo alcanza para evidenciar el recurso técnico empleado y la mera apariencia externa de la obra del grabador. Con solo observar “Auto Rojo” (1985), obra que ilustra la tapa de un estudio reciente de Alberto Petrina sobre el artista editado por Asunto Impreso, salta a la vista el abrumador clima que impregna toda su obra. Un clima donde el misterio, lo sórdido, en definitiva lo sombrío se constituye en algo más que simples adjetivos. Iglesias Brickles nos muestra al auto rojo, con sus cuatro puertas abiertas y rodeado de metafísica soledad; abandonado por la presencia humana…. ¿Que ha ocurrido? , ¿Quienes tripularon el vehículo? o ¿Por que lo abandonaron? , son solo algunas de las preguntas que se puede plantear el narratario que intente descubrir las incógnitas que nos arroja la imagen. Y empleo la palabra narratario porque, aunque enigmáticamente, siempre en las imágenes suyas se destaca la intención de contarnos algo.
Ya tampoco nos interesa, si la obra del artista correntino es grabado o pintura; si se inclina a una estética determinada o se asemeja a un cuadro de historieta….solo nos importa descubrir lo que las imágenes nos cuentan. Tanto el “Auto rojo”, como las cabezas que flotan sobre un fondo o un paisaje (“Tajos en la pampa”; “Sin aliento”), son productos de una imaginería que busca afianzarse en la idea del relato….donde el enigma no resuelto es la moneda corriente del artista”.

Revista “Punto & Aparte”. Noviembre 2005.

Rep y las Bellas Artes.

Si quisieramos biografiar la vida de Miguel Repiso (Rep), con seguridad que lo escrito se tornaría laberíntico, casi diríamos a la manera de la trama de un cuento de Borges o Cortazar. De todos modos a ambos relatos los separaría (dejando fuera cuestiones de calidad) el delgado hilo que corta la realidad de la ficción, pues la variedad de circunstancias vividas por Rep son autenticas y no forman parte de ningún cuento aunque lo parezcan.
Tengamos pues en claro que Miguel Repiso , el hijo de una modesta cocinera y de un chofer y armador de bicicletas, es más real aún que su propia biografía. Es el Miguel Repiso que vivió en inquilinatos y en " una cocina de cartón, prefabricada, en una terraza de Villa Marteli" ; el mismo que trabajó como verdulero, heladero, limpia-copas, mozo, diarero y vendedor de revistas en Parque Rivadavia.
El otro, Rep, tal vez se comenzó a gestar el día que Miguel Repiso, decidió montar en un cuarto de su casa una editorial junto con su amigo Carballo. Con solo doce años y con una birome sobre hojas cánson dibuja una revista. " Bazofia" será su título, y el mismo parecerá indicarnos que Repiso ( ya Rep en formación) ha tomado partido por una mirada que tanto implica lo marginal como lo diferente.
Ya consagrado como Rep , Miguel Repiso, estableció en una muestra del Malba, un panorama de la imagen plástica desde la prehistoria hasta nuestro presente; que destacaba tanto a Leonardo, como a Goya, Picasso, Pollock o Bacon entre los extranjeros; a Sívori, Carpani, Berni o Kuitka entre los nuestros.
Pero, Rep, no se limita a elaborar un ingenioso " chiste" sobre una obra paradigmal o un artista; su humor gráfico busca conmover estructuras; intenta mostrar al arte más allá del anticuado" sistema de las Bellas Artes", de acartonadas historias o publicitados eventos . Así es, como el lápiz de Rep, esboza a un Antonio Berni enfrentado al dilema del título, ante su creación más importante ( Juanito Laguna) o muestra dos cuadros de Hopper, donde sus solitarios personajes buscan establecer un diálogo " obra a obra" . Rep, es poseedor de una mirada personal del arte, capaz de transportarnos a una conclusión no prevista.

Revista Punto & Aparte. Octubre 2004.

La Edad Media y la Idea del progreso

2009-02-23T10:01:00.001-08:00

Jorge Jofre

Resumen:
Bajo el efecto de una mirada rápida al contenido de “La Edad Media y la Idea del Progreso”, es fácil construir que en su esencia son dos las palabras clave que conforman este breve trabajo: historia y progreso. Desde el punto de vista de la historia, tras unas breves consideraciones fundamentalmente de carácter historiográfico, la cuestión se resuelve en aspectos vinculados a la Edad Media: el pensamiento de la época, la cultura y la literatura. Desde el punto de vista del progreso, el soporte se construye con el pensamiento de Walter Benjamín. Así es como la idea benjaminiana del progreso se cruza con citas y comentarios sobre la Edad Media, buscando hallar un camino que esclarezca si a tal momento histórico le cabe en alguna medida la posibilidad de implicarse con cambios que incluyan una evolución a futuro de los mismos.
Palabras clave: Historia; progreso; pensamiento; cultura; literatura; idea benjaminiana del progreso.

Historia y progreso.

Benedetto Croce en “Il concetto della storia nelle sue relazioni con concetto dell ´arte” alude a un único objetivo de la historia: “narrar los hechos”. Considera que los mismos deben ser expuestos por el historiador solo “de la manera exacta en que han sucedido”; sin producir alteración alguna en las causas de los mismos; manifestando esa sola circunstancia como “el ideal de la buena historiografía de todos los tiempos” [1].
En este escrito juvenil Croce, en el cual Hegel ejerció su seducción, rechaza la historia-narración para entrar decididamente en el concepto de la historia como explicación de los hechos; para ingresar decididamente en lo historiográfico. Supera decididamente la idea del alemán Leopold Von Ranke, de: “...tan solo exponer el hecho en la forma que ha sucedido... [2] . Quien fuera casi podríamos decir el “padre” de la historiografía, solo limitaba el análisis de la historia a un análisis exhaustivo de las fuentes obtenidas.
De tales afirmaciones se infiere que a través del tiempo no solo hubo historiadores y sucesos históricos acaecidos sino que también distintas formas de narrar y explicar el hecho por grande o pequeño que fuere. Eso solo justificaría las contrapuestas visiones de la historia del arte ( para citar un ejemplo ) en el siglo XIX de Gottfried Semper y Alois Riegl ( el célebre maestro de Erwin Panofsky ) o la casi caprichosa clasificación de Heinrich Wölfflin del renacimiento y el barroco , donde los conceptos parecen a veces trastocarse en esquemas vacíos de contenidos.
También podríamos traer a la memoria, la profunda labor de Eric J. Hobsbawm por clarificar la visión contemporánea de la historia social. El historiador nacido en Alejandría sacó del hielo al marxismo y lo empleó como herramienta para la construcción de una historia donde lo social cobra protagonismo. Sus trabajos de 1954 sobre la crisis general del siglo XVII y el prólogo realizado en 1964 para la edición del fragmento de las Grundisse de Marx sobre las formaciones económicas precapitalistas marcan esa línea de conducta. En la introducción al trabajo de Marx, Hobsbawm sostiene que la teoría del materialismo histórico solo necesita de la presencia de una “sucesión de modos de producción”; de una sucesión donde el ordenamiento de esos modos no este tal vez predeterminado de antemano. [3] . El historiador antepone al secuenciamiento cronológico la relevancia del modo de producir.
El panorama de la historia del mundo contemporáneo redactado por Hobsbawm en cuatro volúmenes, culmina en su “Historia del siglo XX” donde se nos muestra preocupado por el hecho de ser cronista y testigo de su tiempo y a la vez trazarnos una posible perspectiva del futuro.
Es en este punto donde Hobsbawm, nos habilita el camino para que aparezca un nuevo concepto que se une e imbrica a la cuestión del tratamiento de la historia. El hecho de plantearnos la posibilidad de vislumbrar un futuro nos habilita el camino para hablar de sucesos que avanzan en un cierto orden…..para hablar de la idea de progreso.
Pero tal idea no es sin duda alguna un sello original acuñado por Hobsbawm. Si retrocedemos en el siglo XX, nos encontraremos en Walter Benjamín con la cuestión del progreso relacionado con la historia. Es este célebre filósofo de la Escuela de Frankfurt que desde sus “Discursos interrumpidos” y tras las herencias dejadas por Hegel y Nietszche se animará a presentarnos una nueva concepción de la historia que nutrirá a muchos historiadores posteriores. Una nueva concepción alejada de los planteos “mecanicistas” que pretendían explicar los sucesos como piezas de un gran mecanismo o una especie de “engranaje de relojería”.
En “Discursos interrumpidos”, Benjamín, alude a la idea de un tiempo “homogéneo y vacío” [4] donde lentamente se depositan los sucesos. Para el filósofo la historia no solo es una secuencia mecanicista de hechos, sino también un conjunto de sucesos que se depositan en un no material receptáculo que él denomina como “tiempo homogéneo y vacío”.
El conjunto de los sucesos determina la idea del progreso; pasado, presente y futuro juegan un rol nuevo y distinto dentro de tal estructura, donde “La filosofía de la Historia” de Hegel finamente tamizada por Benjamin, hace acto de presencia. Así es como bajo esta mirada , un episodio presente solo tiene validez vinculado al pasado que anula y al futuro que aguarda para completar el total del proceso….el presente no es totalidad , solo un engranaje de la gran maquinaria de la historia; “ solo cuenta a título de fragmento” [5] .
Así como Platón recurrió al “mito de la caverna” para aclarar ciertos aspectos de su pensamiento, Benjamín, ahora recurre a un cuadro para traer a escena la cuestión de la historia y del progreso. Toma en cuenta a “Angelus Novus” donde Paul Klee, “representa un ángel que parece como si estuviese a punto de alejarse de algo que le tiene pasmado” [6] . De allí nace la alusión benjaminiana del “angel de la historia” que vuelve la mirada a las ruinas del pasado, mientras un viento poderosísimo lo arrastra, de espaldas, del presente hacia el futuro….” mientras que los montones de ruinas crecen ante él hasta el cielo. Este huracán es lo que nosotros llamamos progreso...”. [7] .
El “ángel de la historia” de Benjamín sometido al fuerte viento no puede evitar el progreso, que crece desmesurada y descontroladamente. La metáfora nos sirve de especie de "modelo " de lo histórico en relación a la “idea del progreso” si en la historia se puede hablar de " modelos ajustables” que vayan cambiando las reglas del juego.
La línea histórica que fuera adecuada para los historiadores del pasado ha perdido credibilidad en el siglo XX, ya no se puede hablar de los sucesos ordenados unos tras otros como en el pasado; los mismos se superponen, se decusan, se aproximan y se distancian en distintos puntos de su marcha…..la modernidad de fines del siglo XIX ha traído consigo una nueva sociedad mucho más dinámica que no puede ser explicada solo mediante un único y lineal recorrido.

Fenómeno que trasladado al presente nos complica más aún el panorama , pero de todos modos no nos impide tener en claro que no hay solo " historia e historiadores ", sino que en lo que hace a las llamadas ciencias sociales las teorías y los cambios generan progresos en el conocimiento humano; determinan nuevas formas de abordar los campos. Si descartamos, de todos modos, ciertas posturas extremas de confianza en el progreso mediante la ciencia debemos sin embargo tener en cuenta que para pensadores como Benjamín la idea del mismo se haya ligado casi con seguridad a la idea de cambio y revolución. Debemos comprender que, bajo esta estructura de pensamiento, para pasar de un período a otro es necesario acumular una sucesión de hechos que en definitiva se constituye en progreso.

Edad Media y progreso.

En el prólogo de una edición castellana del libro de Jacob Burckhardt ” La Cultura del renacimiento en Italia”, el prologuista expresa: “ …abarca en ella , en efecto , toda la vida del renacimiento , la época que va desde Dante a Miguel Angel y haciéndola destacar sobre el fondo de la Edad Media con neto y vigoroso relieve” [8] . “Fondo de la Edad Media”, dice Bofill y Ferro, casi como si estuviera aludiendo a las ruinas del pasado y haciendo poner nuevamente a Benjamín en acto de presencia. Acaso ese” fondo de la Edad Media “no puede ser considerado como parte de las acumulaciones producidas dentro del “ tiempo homogéneo y vacío” mencionado por el filósofo.

Sabemos sin duda alguna que Jacob Burckhardt , acertó en lo que hace a algunos de los elementos constitutivos de esa " zona de paso " entre la sociedad gótica tardía y la renacentista; percibió en cierto modo la idea del progreso en el simple acto de pensar en el tránsito de una cultura a otra.

Burckhardt descubrió algunos de los puntos de contacto que conducen de un gótico " feudal y religioso " (feudal tardío) a un renacimiento individualista y cientificista que plantea graves crisis en lo que respecta a la fe y abre el camino de un futuro culto a la razón siglos después.

En “ La cultura del renacimiento en Italia” , el historiador, lamenta la inexistencia en los humanistas de trabajos generales sobre la historia general de la Edad Media . Menciona en cambio como aquellos que han considerado el período histórico (por lo menos en parte) son Matteo Palmieri con sus crónicas; Blondus de Forli en sus “Décadas” y un típico producto de la ilustración: Edward Gibbon, que en su “Historia de la decadencia y ruina del Imperio Romano” (1776) dedica 300 folios a los estudios de las fuentes y autores correspondientes al período de tiempo que va desde la temprana Edad Media hasta la muerte de Federico VI.

Líneas abajo afina aún más la puntería en el texto: " No vamos a investigar aquí críticamente que escritos utilizó Blondus, ni donde los descubrió; (los habrá rescatado de las ruinas del pasado, nos podemos preguntar) pero en la historia de la nueva investigación nadie podrá discutirle el honor a que se hace acreedor con esta obra (y allí viene la fuerte forma afirmativa del historiador que muchos reprocharon). Ella por sí sola justificaría la afirmación de que únicamente el estudio de la Antigüedad ha hecho posible el estudio de la Edad Media." [9] .

A continuación , establece en el texto un juicio vinculado al tiempo histórico vivido: "...Hay que tener en cuenta, por otra parte , que para la Italia de entonces , la Edad Media era algo que había pasado y que por lo tanto , el espíritu podía juzgarla libremente , como un hecho fuera de sí mismo....." ....y agrega..."..."No puede decirse que la haya juzgado en seguida con justicia , ni siquiera con benevolencia ; en las artes prevaleció un fuerte prejuicio contra las creaciones medievales y los humanistas fechan con su aparición el comienzo de una nueva época.....". [10] .

El historiador entonces remata su faena con una frase de Bocaccio escrita en las epístolas a Pizinga: "...Empiezo a esperar y a creer que dios se ha compadecido del nombre de Italia cuando veo que su magnánima bondad vuelve a conceder a los italianos almas parejas a las de los antiguos, almas que buscan la gloria por un camino que no es el de la rapiña y la violencia sino que la buscan por la senda de la poesía, cuyo premio es la inmortalidad...”. [11] .

Es en este momento cuando la duda fundamental se hace presente…. ¿Habrá intuido Burckhardt la posibilidad de un recorrido entre la Edad Media y el renacimiento? …. ¿Habrá descubierto en ello una superación de una etapa por otra; en definitiva la idea del progreso?...tales incógnitas son harto difíciles de encaminar hacia una respuesta.
De todos modos, tal vez la lentitud de ese proceso no le ha impedido a Burckhardt o a McNall Burns, aunque ambos historiadores vivieron en distintos siglos, percibir la presencia de un cierto progreso que reúne en sus extremos al pasado con el presente. Relevante como ejemplo al respecto, es el caso de la época de Dante Alghieri ( 1265-1321) , donde MCNall Burns relata que ya se había iniciado la lectura de los clásicos, menciona que el poeta se complacía en la lectura de tales autores y casi adoraba a Aristóteles , Séneca y Virgilio y agrega que cuando el poeta italiano escribe la “ Divina comedia” ( en lengua toscana ) , en ella : "....concibe al universo como un mundo finito cuyo centro es la tierra y en el que todo existe para beneficio del hombre ..." . [12]
La idea renacentista del hombre como centro del mundo ya está claramente expresada en Dante ; allí se puede hallar un notable punto de articulación entre lo " gótico " y lo " renacentista " . Dante construye su “Divina Comedia”, basada en la cosmogonía cristiana medieval pero combinando la alegoría con personajes reales de su Florencia natal, hecho que indica no solo la preocupación por “el mundo circundante” sino los albores de una nueva era donde la figura del hombre cobra protagonismo.
El historiador Arnold Toynbee, agrega otros elementos a la cuestión de Alighieri cuando afirma que la resolución tomada por el poeta “… de componer la “ Divina Comedia” en estrofas de versos rimados y en toscano , en lugar de los hexámetros latinos tuvo una importancia esencial en la ulterior inspiración de la poesía compuesta en todas las lenguas vernáculas del mundo occidental “ [13] permitiendo liberarse , a la nueva lengua, de la tradición del latín y dar así rienda suelta “ al libre juego de las facultades creadoras”. “…En la época de Dante, Italia había desarrollado una forma regional de civilización occidental. El resto de la cristiandad occidental tardó dos siglos para alcanzar el nivel cultural a que había llegado Italia en el 1300..." [14] . La península itálica había alcanzado el límite de " quiebre " con la cultura medieval y se mostraba en su esplendor; la " cultura del renacimiento en Italia " descripta por Burckhardt; se había iniciado dejando atrás las últimas etapas de la Baja Edad Media
Acaso en ambas citas referidas a Dante Alighieri y su “Divina Comedia”, no esta el claro ejemplo que nos brinda la posibilidad de concebir la “idea del progreso” aún en la tan mentada oscuridad de la Edad Media. El proceso que lleva al poeta florentino a una superación de los modos góticos aún más avanzados y lo pone ya en el contexto de una nueva era implica evolución; implica el silencioso trabajo de una especie de “selección natural” que lo conduce a mutar el antiguo estilo literario por el “dulce estilo nuevo”; incluye como en la selección darviniana evolución y por lo tanto progreso.

La cuestión del progreso.

Es cuestión fundamental de este trabajo: intentar establecer un diálogo entre la “idea del progreso” y un período de tiempo catalogado siempre como sombrío; como una especie de alteridad del progreso. Hallarle a la Edad Media, tal vez su verdadero sentido, dejando de lado la oscuridad con que siempre se la calificó; descartando la visión negativa que de ella tuvo el renacimiento y la humanidad posterior. Para ello nos resulta esencial poder quitarnos la imagen de una edad monótona e intrascendente donde el sistema feudal dominaba en una constante sin variantes la escena.
En primera instancia, si buscáramos un icono fundamental que represente a la Edad Media, deberíamos pensar en las maravillosas miniaturas realizadas para el Duque de Berry por los hermanos de Limburg. Una de ellas muestra al castillo del Louvre tal como estaba a principios del 1400. Los Limburg ubican el castillo en la parte superior de una de las páginas del Libro de Horas, y lo enmarcan con un semicírculo con un calendario y signos del zodíaco. Por el jardín del palacio pasean algunos personajes que por sus vestimentas se pueden identificar con nobles. En el tercio inferior de la miniatura, separados de la fortaleza por el agua de un foso, se hallan los campos del señor de la comarca. Se ve a un campesino rotulando la tierra con un arado tirado por un caballo, mientras otro labrador ubicado en primer plano arroja semillas en los surcos.
Pero la imagen de los Limburg solo plasma una cierta mirada de la Baja Edad Media, dado que como ha indicado José Luis Romero en ese momento de la cultura gótica se produce un cambio fundamental de la “imagen del mundo y del saber”. Las formas de vida de la época se acompañan de un mayor sentimiento de la naturaleza; de un marcado interés por parte de filósofos y científicos en las cuestiones del mundo circundante. [15] , y de un pensamiento que opta por limitarse a la tradición de la escolástica o por iniciar nuevos recorridos; un pensamiento que por momentos se torna total y absolutamente bipolar.
Es en este punto donde podemos recurrir, en segunda instancia, a una famosa novela del semiólogo italiano Umberto Eco., “El nombre de la rosa”, al cual el haber descubierto en 1968 “Le manuscript de Dom Adson de Melk” ( Aux Presses de l’Abbaye de la Source, Paris, 1842) redactado por el abate Vallet , le permitió escribir la misma y ambientarla en las postrimerías de la Edad Media. Historia que pese a desarrollarse dentro de un monasterio cristiano, esta plagada de crímenes, misterio e intrigas; elementos que rompen con la monotonía de la vida monástica y que en definitiva alteran el rutinario trabajo de escritura de los monjes en sus scriptorium...
Pero, lo notable del extenso relato escrito por Eco es que el mismo le permite poner en juego la idea de un pensamiento bipolarizado en el aparentemente uniforme horizonte de la Baja Edad Media. A la acartonada “ escolástica” desarrollada bajo el rigor de normas inflexibles y corporizada, en la novela, por la figura del inquisidor Bernardo Gui , Eco, le opone al detectivesco Guillermo de Baskerville , nítido exponente del pensamiento “ nominalista” que fuerza la última parte de la cultura gótica y deja a un costado lo platónico para adentrarse en la materialidad de las cosas.
Bernardo Gui, rinde culto a una tradición de la iglesia que por momentos apela a la imposición de la fe y un pensamiento por la fuerza: a una mirada vuelta hacia el pasado. Mientras Guillermo de Baskerville representa un nuevo pensamiento de cara al futuro; de cara evidentemente al progreso. Como el filósofo medieval Guillermo de Ockham, uno de los creadores del “nominalismo”, Guillermo de Baskerville busca acercarse a la idea de un “conocimiento más exacto”, términos que la epistemología ha vinculado en muchas teorías con la idea de “progreso científico”. Tengamos en cuenta que antes de terminar el siglo X, “ la traducción al latín de las obras lógicas de Aristóteles que llevó a cabo Boecio era estudiada y expuesta en Occidente por el erudito francés Gerbert de Aurillac, después de haber permanecido dormida durante cuatrocientos cincuenta años....”. [16] . Hecho que sirvió para desplazar, por lo menos en parte, del posible centro de la escena a Platón y el “neoplatonismo” y puso en juego la posibilidad de tímidos, pero nuevos planteos teológicos que abren una brecha hacia las creencias del humanismo en Italia y las revoluciones protestantes del norte de Europa.
Pero, pese a los intentos de pensadores como Eco, de hallar alguna idea vinculada al progreso dentro de la Edad Media, sabemos que hasta el término “medieval”, desde mediados del siglo XIX "...tuvo un persistente uso desfavorable, comparable con el sentido peyorativo de primitivo, o con anticuado...”. [17] . Cuestión que no se limita solamente al término, sino que arriba al hecho de no poder poner en claro como el hombre europeo pudo pasar de un aparente sistema feudal cerrado a la cultura humanista del renacimiento.
.El historiador Paul Johnson cree que en muchos momentos durante la Edad Media, gobernantes, artistas e intelectuales intentaron volver al esplendor romano [18] , búsqueda que el sistema socio-político y económico de la época impidió en gran medida. Dicho en otras palabras, tuvieron en cuenta las ruinas de un pasado glorioso; y así es como tal vez algunos han llegado a hablar de: un renacimiento antes que el renacimiento; de un resurgir de la cultura greco-latina antes aún de lo que lo que los historiadores consideran.
Tal vez bajo la luz de estas afirmaciones, es que podamos generar a modo de hipótesis, la posible existencia de una Cuarta Etapa de la Edad Media; una especie de bisagra que articula la cultura gótica tardía con la forma más primitiva del renacimiento. Si esto fuera cierto estaríamos a un paso de poder aplicar la “idea del progreso” dentro del campo mismo de la siempre menospreciada sociedad medieval.
Pero, no nos alegremos en demasía ante la posibilidad de ver la existencia de alguna forma de progreso en la Edad Media, porque tal vez en ello se halla el elemento germinal de nuestras carencias presentes como sociedad humana. Ya en el siglo XIX desconfiaba Baudelaire del progreso y Benjamín entendió a la modernidad como el “tiempo del infierno” (Benjamín, 1927/29)…entre las interpretaciones de la metáfora benjaminiana inspirada en el cuadro de Klee, existe aquella que sostiene que el ángel de espaldas al futuro cruza su mirada con el avance del tiempo; observa así las ruinas que el cruel progreso va dejando.
Guillermo de Baskerville, el personaje de Eco, trata de mirar el futuro cara a cara sin miedo a afrontarlo, mientras que el ángel benjaminiano no puede o no quiere verlo porque tal vez intuye que el progreso no es tan bueno como aparenta. El filósofo frankfurtiano, se ha dado cuenta que el “conocimiento más exacto” o las nuevas posibilidades de la técnica o el impacto de la ciencia en el mundo moderno no han servido para mejorar o ni siquiera mantener bien firme ciertas cuestiones vinculadas a la conducta humana; cuestiones que al negativizarse se relacionan con la violencia; el aislamiento o la desesperanza y relativizan la idea del progreso como algo salvífico. Si esto fuera verdadero, Walter Benjamín, debió haber visto en nuestro presente una oscuridad mayor aún de la que siempre le hemos atribuido a la tan menospreciada Edad Media.

Notas

[1] SAITTA, Armando, Guía critica de la historia y la historiografía, FCE, México, 1996, op.cit. “ Il concetto Della storia nelle sue relazioni con concetto dell arte” , Crocce, pag. 32-33.

[2] Ibídem, p. 187.

[3] HOBSBAWN, Eric, Entrevista sobre el siglo XXI, Critica, Barcelona, 2000, p. 187.

[4] BENJAMIN, Walter, Discursos interrumpidos, Taurus, Madrid, 1982, p. 187.

[5] BURCKHARDT, Jacob, La cultura del renacimiento en Italia, Iberia, Barcelona, 1979, Notas prologales, pp. IX -X.

[6] Ibídem, p. 187.

[7] Ibídem.

[8] Ibídem.

[9] Ibídem, p. 180.

[10] Ibídem.

[11] Ibídem. P. 181.

[12] Mc NALL BURNS, Edward, Civilizaciones de occidente. Su historia y su cultura, Peuser, Buenos Aires, 1964, p. 385.

[13] TOYNBEE, Arnold, La gran aventura de la humanidad, Emecé, Buenos Aires, 1985. p. 432.

[14] Ibídem, p. 432.

[15] ROMERO, José Luis, La Edad Media, FCE, Buenos Aires, 2000, pp. 180-181.

[16]TOYNBEE, Arnold, op. cit. p. 356.

[17] WILLIAMS, Raymond, Palabras clave, Nueva Visión, Buenos Aires, 2000, pp. 222-223.

[18] JOHNSON, Paul, El renacimiento, Mondadori-Sudamericana, Buenos Aires, 2005.

Bibliografía de consulta.

Burckhardt, Jacob, “La cultura del renacimiento en Italia”, Barcelona, Iberia, 1979.

Eco, Umberto, “El nombre de la rosa”, Barcelona, Lumen, 1980.

Forster, Ricardo, “Walter Benjamín y el problema del mal”, Buenos Aires, Altamira. Biblioteca de Filosofía, 2001.

Hauser, Arnold, “Historia Social de la Literatura y el arte”, Madrid, Ediciones Guadarram. Colección Universitaria de Bolsillo Punto Omega, 1976.

Hobsbawm, Eric, “Entrevista sobre el siglo XXI”, Barcelona, Crítica, 2000.

Huygue, René, Ikeda, Daisaku, “La noche anuncia a la aurora”, Buenos Aires, Emecé, 1985.

Johnson, Paul, “El renacimiento”, Buenos Aires, Mondadori. Editorial Sudamericana, 2005.

Mc. Nall Burns, Edward, “Civilizaciones de Occidente. Su historia y su cultura”,

Buenos Aires, Ediciones Peuser, 1964.

Romero, José Luis, “La Edad Media, Mexico, F.C.E., 2000.

Saitta, Armando, “Guía crítica de la Historia y de la Historiografía”, México, F.C.E., 1996.

Toynbee, Arnold, “ La gran aventura de la humanidad”, Buenos Aires, Emecé, 1985.

Vattimo, Gianni y otros., “En torno a la posmodernidad” (“Apunte sobre el pensamiento destructivo”; Patxi Lanceros), Colombia, Anthropos, 1994

Williams, Raymond, “Palabras Clave”, Buenos Aires, Editorial Nueva Visión, 2000.

[*] Trabajo previamente publicado en: “ Revista Historia Regional” Nro. 42, Villa Constitución ( Santa Fe), septiembre 2006.

© Jorge Jofre 2009

Espéculo. Revista de estudios literarios. Universidad Complutense de Madrid

jorge luis borges

2009-01-22T14:23:00.000-08:00

Los libros y la noche….imágenes de un filme.

En Los libros y la noche (1999) el director argentino Tristan Bauer acomete el intento de realizar una especie de mosaico de la vida y la obra de Jorge Luís Borges. Así es como las escenas se suceden: la infancia; los estudios en Ginebra; su regreso a Buenos Aires; su nombramiento como director de la Biblioteca Nacional; el acceso a la fama; sus dolores; su pasión por los libros…la inevitable y progresiva ceguera que lo privará no solo de ver el mundo circundante sino también del placer de la lectura .
Refiriéndose a Los libros y la noche, Pablo Suarez, la definió en una crítica como “compendio de pasos a evitar en un proyecto de esas características”. Desde otra mirada el filme se puede tomar como una especie de collage posmoderno no resuelto en su totalidad, pero que como casi todo collage nos brinda una pluralidad de imágenes. Pluralidad que nos posibilita seleccionar algunas de ellas y establecer así un juego interactivo con distintas secuencias del filme

Las primeras secuencias.

” No recuerdo ninguna época donde no supiera leer” (1) dijo el propio Borges refiriéndose a sus primeros años de vida. Las escenas nos presentan al niño que de la mano de su padre conoce a la biblioteca y dentro de ella a los libros; enormes para su tamaño y plenos de secretos que el desea develar.
Desde las primeras secuencias del filme, Bauer, ubica casi al modo de “ráfagas informativas” imágenes que registran la descripción hecha por Borges de la “biblioteca de Babel” en su cuento homónimo. Para Borges, tanto los libros como el conocimiento, se le representaban como laberintos o trayectos sin principio ni fin, muchos de sus cuentos o poemas confirman tal tesitura.
El director, rescata así, la ficticia biblioteca, poniendo ante nuestra vista un número indefinido de galerías hexagonales e idénticas. En el medio hay grandes ventilaciones cercadas por pequeñas barandas, así como también zaguanes que dan a otras galerías e incluso dos gabinetes que permiten el alojamiento del bibliotecario…” mas allá hay una escalera espiral que se abisma hacia lo remoto”. (2) Que se abre en el centro de la razonada construcción hacia el abismo de lo absoluto.
“El universo (que otros llaman la biblioteca) se compone de un número indefinido y tal vez infinito, de galerías hexagonales” (3)…Bauer, nos devela en imágenes una de las más grandes pasiones de Borges: los libros…estos conforman el verdadero universo del escritor…laberintos; centros del universo; espirales que se abren al abismo de lo absoluto que son sin duda solo una parte del fantástico reservorio imaginativo del escritor.
Queda sin duda incluido también en ese reservorio la posibilidad de mirar desde un lugar todo el universo y los sucesos acaecidos a través del tiempo como lo expresa en “ El Aleph” …Carlos Argentino Daneri, lo hace recostar al relator ( también protagonista) del cuento, en el sótano de su casa y mirando hacia el escalón diecinueve de la escalera. Así es como en una antigua casa solariega de la calle Garay (llena de recuerdos y de retratos fotográficos) el relator descubre el Aleph…” uno de los puntos del espacio que contiene todos los puntos...” (4).
En dos o tres centímetros (de tales dimensiones era el diámetro del Aleph) se hallaba la vastedad del espacio cósmico y se podía todo desde todos lados. Casi una página del relato le ocupa a Borges describir todo lo que había visto el protagonista...” ví una quinta en Adrogué; un ejemplar de la primera versión inglesa de Plinio, la de Philemon Holland, vi a un tiempo cada letra de cada página ( de chico yo solía maravillarme de que las letras de un volumen cerrado no se mezclaran y perdieran en el decurso de la noche) , ví la noche y el día…(5). ..la niñez vuelve a aparecer de la boca del escritor mediante esa llamativa anécdota narrada concisamente entre dos paréntesis.
Con la recreación fílmica de El espejo , Bauer, nos introduce en un poema donde Borges narra otros aspectos de su niñez; su propio mundo; sus propias fantasías y temores: “ Yo, de niño, temía que el espejo/me mostrara otra cara o una ciega/máscara impersonal que ocultaría/algo sin duda atroz…” ( 6).
En esta primera parte del filme, el director, también nos informa sobre los estudios formales de Borges. En 1914 viaja a Europa y estudia en Ginebra. “ ..De todas las ciudades donde podría vivir Ginebra me parece la mas adecuada…” (7) y agregará que a ella le debe el haber conocido la obra de los grandes escritores.
En 1918, Borges, irá a España con su familia. Al respecto dirá en su autobiografía que allí es donde comenzará su verdadera actividad literaria...” Asistí a los comienzos del ultraismo…polemicé, publiqué traducciones de los nuevos poetas alemanes, metaforicé con fervor...” (8).
En este tramo del filme, Bauer, subraya como va naciendo el “otro Borges” a quien se le ocurren las cosas….”...de Borges tengo noticias por correo y veo su nombre en una terna de profesores o en un diccionario bibliográfico “ (9) expresa una voz en off. El director rescata así un texto del escritor donde este se expone “ cara a cara” consigo mismo; donde con una muy particular forma deja profundos rastros de sus fortalezas y sus debilidades; donde al final expresa “ No sé cual de los dos escribe esta página” (10).

De regreso a Buenos Aires.

Es 1921, Borges ha regresado a la Argentina. Es la etapa inmediata y posterior a su primera obra de gran aliento Fervor de Buenos Aires (1923). El poeta, como muchos creadores argentinos por esa época, retorna nutrido de las vanguardias literarias y artísticas europeas.
Esta parte del relato cinematográfico tiene su epicentro en la designación del escritor como empleado de la Biblioteca Municipal “Miguel Cané”. El director aproxima la cámara, a un Borges poco afín a sus compañeros de trabajo; a un Borges que no se quiere resignar a su destino... a un Borges que resiste nueve años sujeto a una profunda infelicidad…” En el trabajo, los demás no se interesaban sino por las carreras de caballos, los partidos de fútbol y los chistes obscenos...” (11).
Borges dedica esos años de permanencia en la biblioteca a leer los clásicos que había conocido en su educación ginebrina. Pasa nueve años de su vida leyendo hojas y hojas…más de ocho horas leyendo La decadencia de Occidente de Oswald Spengler ; las grandes enciclopedias; la poesía de Verlaine y Baudelaire….todo aquello que el poeta sospecha que le puede ser provechoso.
Es la época de “Fervor de Buenos Aires” y es también la que recrea Bauer en imágenes: antiguos transportes de tracción a sangre; primitivos vehículos de combustión interna; iluminación a gas. Es la época en que la calle Corrientes era angosta; de una ciudad que todavía en barrios alejados del centro muestra el “corte de zanjon” y los patios con glicinas.
Es este el libro que sin duda marca un antes y un después en la obra del escritor….escrito con ciertos resabios del ultraísmo que había asimilado en Europa; impregnado de un incipiente planteo metafísico, destaca no obstante dos aspectos puntuales de Borges: la precisión verbal y el sentimiento por Buenos Aires. “Las calles de Buenos Aires/ya son mi entraña…” expresará en uno de los poemas del libro.
Borges ha dado un giro en su obra , comparable en dimensiones al que efectuara el pintor Antonio Berni al regresar de Paris….solo que mientras que el rosarino acomete con las banderas de la protesta social y política, el poeta, centra su fuego literario en su propia visión de un , en realidad, polifacético Buenos Aires. Dos décadas y monedas atrás, en Las montañas del oro (1897), Leopoldo Lugones subordinaba casi en plenitud su estética personal a un modernismo heredero de Darío…pero, ahora es la época de poetas como Baldomero Fernández Moreno o Evaristo Carriego centran su poesía en la ciudad y en sus barrios suburbanos.
Fervor de Buenos Aires aparece un año después que La canción del barrio de Evaristo Carriego y sin duda es uno de los más notables intentos poéticos elaborados en la Argentina a modo de despegue o distanciamiento de las líneas del simbolismo y el decadentismo europeo. Con este libro su destino de escritor ya estaba sellado.

De Almagro a la Biblioteca Nacional.

“Cuando Perón subió al poder me nombraron inspector para la venta de aves de corral en los mercados. Entonces yo me dí cuenta que esta era una manera de indicarme que tenía que irme….mandé mi renuncia ese mismo día….” (12) La frase es precedida por una serie de imágenes fílmicas que recrean el ingreso del Justicialismo en la política nacional.
Este es el tiempo, en que Borges se ve obligado a dar conferencias para ganarse la vida. La cábala; la poesía anglosajona; la poesía gauchesca…Lugones; Estanislao del Campo; Eduardo Gutierrez o José Hernández serán solo algunos de los temas que desarrollará en ellas. En este punto es cuando Bauer, define la postura del escritor ante la vida y la cultura…” Y todo eso se lo debo de algún modo a la circunstancia fortuita de que me echaron de esa biblioteca y yo tuve que ganarme la vida de algún modo...” (13).
Una nueva toma nos muestra al Jorge Luis Borges que va rumbo a la fama; al Borges que ahora, tras la caída de Perón, preside la Biblioteca Nacional de la calle Mexico. Sutilmente Bauer nos conduce por un tono que evita la deshonra de “vencedores y vencidos”, pero que nos deja ver con cierta claridad al otro Borges: el polémico. El que genera encontradas opiniones….” El argentino suele carecer de conciencia moral, pero no intelectual; pasar por un inmortal le importa menos que pasar por un zonzo” (14). El que se refiere en malos términos a Perón: “imitó de manera crasa y grotesca los rasgos menos admirables de la oligarquía ilustrada que simulaba combatir...” (15). el que homenajeó en el cementerio de la Recoleta a Aramburu; el que se entrevistó con Levingston y le regaló un libro suyo. Es el escritor que ha trascendido lo meramente literario para tomar partido por lo que el piensa y siente.

Borges: entre libros y luces cegadas.

“Me gustan los relojes de arena, los mapas, la tipografía del siglo XVIII, las etimologías, el sabor del café y la prosa de Stevenson….”(16) Desde las primeras citas del filme, Bauer, deja entrever la notable pasión de Borges por los libros y la literatura. Otra frase del escritor ampliará la idea…”...Todos los libros constan de lo mismo. El punto, la coma…las veintidós letras del alfabeto…todo es dable expresar en distintos idiomas...”. (17) Muchas veces, el poeta, ha aludido al hecho de que la biblioteca era para él una especie de paraíso terrenal.
Libros y bibliotecas están presentes y son protagonistas en muchos casos de la obra de Borges. Tal el caso de El libro de arena (cuento que se escenifica en cierto momento del filme), donde el protagonista obtiene de un vendedor un libro que no tiene ni principio ni fin; cuyo número de páginas es infinito. El libro se convierte en una verdadera pesadilla para el nuevo propietario…ni siquiera le permite dormir la obsesión por leerlo constantemente. Decide desprenderse de él. Descarta la posibilidad de quemarlo temiendo que el libro produzca una serie infinita de fuegos. Entonces elige esconderlo en un lugar que pase desapercibido: una biblioteca repleta de volúmenes…lo coloca en un anaquel de la biblioteca de la calle México sin siquiera fijarse cual es o que libros lo rodean. Siente un gran alivio, pero jamás vuelve a pasar por ese lugar.
Ahora, en otra secuencia, Borges recorre la enorme biblioteca y exclama...”…conocí la memoria, esa moneda que no es siempre la misma; la voz humana; el alto grito de los pájaros…”.(18) La memoria en Borges es algo fundamental, es como parte de su persona ; ella le permite enumerar con placer : la “ Historia Naturalis “ de Plinio; los atlas de Justus Perthes; el “ Speculum” de Beauvais; la “ Británica” ; la historia de Thomas Carlyle; el “ Réquiem” de Stevenson y hasta obras exóticas como la “ Tahafut-ul-Tahafu” del asceta persa Ghazal. La mayoría son clásicos antiguos poco frecuentados por el lector común. El escritor afirmará en una ocasión que no lee libros actuales; agregará que para saber si un libro es bueno o no se deben esperar por lo menos cincuenta años...”…Si después de ese tiempo todavía se sigue hablando de él; es porque es una buena obra...”.(19)
De todos modos, las recreaciones de El libro de arena o El otro son solo secuencias que no contribuyen en su totalidad a solidificar la trama fílmica ni ahondan demasiado en la figura protagónica del filme. Tal vez Bauer no quiso adentrarse en ciertos recovecos del pensamiento borgiano, tratando de no correr el riesgo de dispersar la idea principal.
No obstante, hacia final es donde cobra protagonismo en los fotogramas el fantasma de la ceguera; de una ceguera que como la fama de escritor le había llegado gradualmente y no de repente…” como un lento atardecer de verano” (20). Borges, sin duda, reincidente en cuestiones del destino, ha dejado vislumbrar en innumerables escritos autobiográficos o de ficción la idea de que ella lo ha condenado irremediablemente a la imposibilidad de ver….” Soy el lento prisionero de un tiempo soñoliento /Que no marca su aurora ni su ocaso...” (21) ha expresado en un poema.
Novalis, uno de los poetas formuladotes de la teoría romántica, creía que la “noche es luz cegada por su propio fulgor” (22) y jugaba como los orientales con la idea de los opuestos que se complementan. Para Borges la noche, o la ceguera, para el caso es lo mismo, debió ser una “equilibrada” contraposición hacia el final de su vida, que lo privó de ver lo que el mas amaba: los libros….allí esta el punto de esa extraña confluencia entre los libros y la noche…allí es donde la pasión por los libros lentamente se cruza con la negrura de la invidencia; casi naturalmente como la noche sucede al día; allí es donde el propio Borges atribuye a Dios tal ironía. Doble ironía porque es casi seguro que el escritor nunca creyó en dios alguno.

Jorge Jofre.
http://jofrejorge.blogspot.com
Citas bibliográficas.

1-Jorge Luís Borges. Extraído de reportajes.
2-Borges, Jorge Luís,”La biblioteca de Babel”, 1941.
3- Ibídem.
4- Borges, Jorge Luís, “El aleph”, 1949
5-Ibídem.
6- Borges, Jorge Luís, “El espejo”, (poema).
7- Jorge Luís Borges, Extraído de reportajes.
8- Ibídem.
9- Borges, Jorge Luís, “Borges y yo”, 1960.
10-Ibídem.
11-Jorge Luís Borges. Extraído de reportajes.
12-Ibídem.
13-Ibídem.
14-Ibídem.
15-Ibídem.
16-Ibídem.
17-Ibídem.
18- Borges, Jorge Luís, “Juan, I, 14” (poema)
19. Jorge Luís Borges. Extraído de reportajes.
20-Ibídem.
21- Borges, Jorge Luís, Ajedrez, (soneto).
22- Albizu, Edgardo, “Novalis, poeta de la poesía”, Lima, 1976, págs. 31-60.

Exposición fotográfica

JORGE LUIS BORGES. El hacedor inmortal

Hasta el 22 de febrero se exhibe en el Centro Cultural Borges, la muestra "JORGE LUIS BORGES. El hacedor inmortal". La exposición presenta un recorrido por la vida y obra de Jorge Luis Borges a través de fotos, textos y un video documental.

Las fotografías pertenecen a Jorge Aguirre, Ernesto Monteavaro y Hugo Ramos. Estos tres fotógrafos argentinos reflejan al Borges maduro y ya consagrado a través de retratos del escritor en diferentes ámbitos, públicos y privados.

La muestra ofrece una aproximación integral sobre el escritor y está estructurada en núcleos temáticos (en versión inglés-castellano) que corresponden a los distintos períodos de su vida:

Antepasados: Borges solía hablar de dos tradiciones heredadas de sus antepasados: una militar y otra literaria. La relación con sus antepasados se advierte en esa tensión entre las armas y las letras.

Nacimiento y niñez: tiempo después de su nacimiento (el 24 de agosto de 1899) la familia Borges se mudó, en 1901, al barrio de Palermo. En la casa de la calle Serrano 2135 (hoy Jorge Luis Borges) pasaría su niñez y entraría en contacto con el mundo del arrabal. El barrio donde vivió será un protagonista esencial en su obra, Borges creará una mitología urbana donde aparecen los personajes y los lugares típicos del suburbio.

Adolescencia y juventud: En el año 1914 la familia viaja a Europa y debido al inicio de la guerra permanece allí por más de 7 años. Borges realiza su bachillerato en Ginebra. Su estadía en Europa le posibilita ponerse en contacto con las vanguardias artísticas. La familia regresa a Buenos Aires en 1923.

Madurez: Fue en la década del 40 que Borges empezó a ser reconocido en los círculos literarios y empezaron las publicaciones de su obra en distintos idiomas.
En 1955 fue designado Director de la Biblioteca Nacional y un año después asumió la Cátedra de Literatura Inglesa en la Universidad de Buenos Aires.

Últimos años: A partir de los 80 años, Borges ya había sido homenajeado por las principales universidades del mundo. Se intensificó su labor de conferencista en los ámbitos locales e internacionales y sus textos fueron objeto de estudios e investigaciones. Su relación con la fama, la escritura, la eternidad y la muerte estarán tratados en esta última sección.

En el marco de la muestra, se llevarán a cabo actividades recrativas asi como también cursos y seminarios a cargo de diferentes especialistas.

Hasta el 22 de febrero
Centro Cultural Borges
Viamonte esq. San Martín
Horarios: lunes a sábado de 10 a 21. Domingos de 12 a 21
Informes: 4311-4865 / 5555-5359

Arte y polo a total beneficio del Hospital Fernández

2008-11-16T14:31:00.000-08:00

Desde el sábado 15 se exhiben en la calle obras de Edgardo Giménez, Martiniano Arce, Marino Santa María, Eduardo Pla, Febe Defelipe y otros artistas

El sábado 15 de noviembre varias zonas de la ciudad amanecerán invadidas por coloridos caballos, no por inmóviles menos simpáticos y atractivos. Se trata de “Buenos Aires Polo & Arts”, ambiciosa iniciativa que busca unir el arte, la solidaridad y el deporte a total beneficio del Hospital Fernández.

Este verdadero acontecimiento cultural, que sin duda llamará poderosamente la atención de porteños y visitantes, consiste en exhibir en un circuito integrado por la Casa de la Cultura, la Av. Alvear, la calle Arroyo y la Recova de Posadas treinta esculturas de caballos de polo intervenidos por destacados artistas como Edgardo Giménez, Carolina Antoniadis, Martiniano Arce, Marino Santa María, Eduardo Pla, Analía Werthein y Febe Defelipe, entre otros. Al finalizar la muestra, las obras serán rematadas a beneficio del Hospital Fernández.

“Buenos Aires Polo & Arts”, que aportará color y animación a las grises calles porteñas, tiene el auspicio del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y de La Martina. Además de los artistas mencionados, participaran Gimena Ferrari, Xil Buffone, Alicia Carletti, Alejandro Moy, Juan Astica, Jorge González Perrín, Rosana Fuertes, Sergio Avello, Daniel Ontiveros, Jorge Álvaro, Claudia Lucini, Sofía Combar, Silvana Comendatore, Carolina Espinel, Gabriela Pertovt, Gerardo Felestein, Marcelo Toledo, Gabriel Álvarez y Analía Werthein, entre otros.

Uno de los aspectos más interesantes de esta muestra, además de su loable propósito solidario, es que permite apreciar cómo los artistas participan de un hecho colectivo preservando cada uno su personalidad estética. De este modo, el caballo de Edgardo Giménez da fe del credo pop de su autor, figura principal del mítico Di Tella; el de Martiniano Arce le permite explayar su sobresaliente oficio de fileteador; el de Marino Santa María porta una colorida composición abstracta; Eduardo Pla exhibe en su caballo la veta conceptual que lo caracteriza, a través de un lomillo con la imagen de Gardel; Nora Iniesta rinde homenaje a los colores de la bandera nacional, mientras los corceles de Carolina Antoniadis y Febe de Felipe presentan inocultables rasgos femeninos, con delicados diseños y hasta encajes.

Las obras estarán expuestas hasta y el 6 de diciembre y serán subastadas el 9 de ese mes, en Tango Porteño, en el marco de una cena show para mas de 400 invitados. El 100% de lo que se recaude en el remate se destinará a la Fundación del Hospital Dr. Juan Manuel Fernández.

El laberinto del fauno…donde los derrotados no cuentan.

2008-11-10T08:30:00.000-08:00

En El laberinto del fauno, Guillermo del Toro establece un llamativo vínculo entre la realidad sociopolítica de una época con la fantasía de ciertas antiguas creencias. Así es como básicamente este director mejicano, construye una filmografía que emanada sin duda de antiguos géneros cinematográficos....suspenso, terror, fantasía...cumple con la condición de ser una verdadera mixtura. Así es como el filme se constituye estéticamente hablando en lo que podríamos llamar un cine de fusión de estilos.

Fantasmas y faunos.
Si bien el propio director de El laberinto del fauno ha expresado que este filme es básicamente una contraposición entre un régimen franquista, allá por 1944, y la historia de una “niña que llega a una casa abandonada en el medio de los bosques españoles y se encuentra con seres mágicos, pero muy oscuros y muy ambivalentes” (1), la idea no alcanza para definir totalmente la obra. Es necesario ahondar en ciertas esencias del personaje del fauno y también en el contexto sociopolítico en que se ambientan los sucesos para ir descubriendo el denso entramado que teje el director...es necesario precisar en que punto la fantasía se confunde con la realidad.
“No sois hija de hombre, la luna os ha engendrado” (2) afirma el fauno, a poco de conocer a Ofelia, una niña de 13 años que es muy aficionada a los libros de fantasía... ¿De donde nace en el director la idea de tal personaje como interlocutor de la niña? Para responder a tal interrogante se nos hace necesario remontarnos a comienzos de la producción cinematográfica de nuestro director.
Ya desde El espinazo del diablo (2001), Guillermo del Toro, transitó un camino, que entre otras cosas, ronda indiscutiblemente la oscuridad del género de terror y el vuelo de la fantasía. En este filme, la posible presencia de un fantasma en un orfanato de Santa Lucía (España), durante la guerra civil española genera la puntada perfecta y precisa. La inquietante presencia del fantasma alterará la vida de uno de los protagonistas, el niño Carlos, y lo conducirá a un llamativo descubrimiento de un valioso tesoro...un filme de alta tensión donde el silencio de ciertas escenas agrega un plus al respecto.
Pero... ¿Por qué habrá elegido del Toro la presencia de un fantasma? Tal respuesta podemos hallarla en los intereses del director manifiestos en un reportaje telefónico que le hicieran hace mucho tiempo. En él afirma creer, en cierto modo, en la existencia de fantasmas, y recordó en tal ocasión como hacia los 12 años de edad escuchó la voz de un tío suyo muerto tiempo antes. Extrañamente, no le otorgó un sentido sobrenatural a tal afirmación sino que naturalizó de cierta manera la existencia de fantasmas. Del Toro ha hablado para tratar la cuestión de “lugares que son como grandes magnetófonos de presencias”...lugares a los que solo pueden acceder aquellas personas que tengan la “frecuencia apropiada de reproducción” (3)
Guillermo del Toro ha sido también productor de El orfanato (Juan Antonio Bayona; 2007) un filme donde los fantasmas de unos niños que habitaron tiempo atrás el orfanato van ganando terreno a medida que avanza la trama. Simón, como el niño de Sexto sentido ve “dead people” (gente muerta). Laura, la madre de Simón, también los verá a medida que el filme avanza…. ella habitó de niña ese orfanato, pero no recuerda muchas cosas de él. Las apariciones le ayudarán a reconstruir sucesos acaecidos en el orfanato antes de su cierre. Los fantasmas “editan” así, para Laura, imágenes de un pasado conflictivo y ya lejano....vuelven desde la muerte para contarle la verdad de una historia.
Guillermo del Toro, tras su éxito del Espinazo del diablo no continúa inmediatamente con estas cuestiones de fantasmas. En Blade II (2002) los vampiros consumidos por una insaciable sed de sangre son los que cobran protagonismo mientras que en Hell boy, un personaje infernal que nunca envejece domina la pantalla.
Hay sin duda una línea de producción que indiscutiblemente pasa por varios tópicos plenos de fantasía y que sin duda encuentra su corolario en la figura del fauno, aquel personaje que Ofelia descubre en un antiquísimo portal de piedra labrada.
Tenemos claros indicios de que en del Toro pervive un ancestral dualismo que lo lleva a creer en la existencia de mundos paralelos que solo se conectan por momentos o cuando la circunstancia lo requiere...no son mundos que operan como en el realismo platónico contraponiendo la verdad a la falsedad; o la materia al espíritu. Para el mexicano tal vez la situación española de posguerra y el agobiante franquismo del capitán son tan reales como el fauno y el libro en blanco que le entrega a Ofelia para superar las pruebas: el cineasta desdibuja por momentos los límites entre ambos mundos
De todos modos, el fauno de la niña, así lo debemos destacar, no es el fauno pastor que protege de las fieras al grupo de ovejas (como lo indica una antigua creencia) sino un personaje capaz de profetizar el futuro. El es el que le revela a Ofelia, en secreto y con especial voz, que ella es una antigua princesa de un mundo subterráneo que quiso conocer la vida fuera de él; que luego olvidó quien era y murió de vieja; que ha sido buscada por su padre. Los portales fueron edificados por el rey para que la princesa pudiera retornar a su reino; ese donde Ofelia y el fauno se encontraron es el último que queda en el mundo…es la última posibilidad que existe para que la princesa retorne a su reino.
El fauno le dice a la niña que para retornar debe cumplir ciertas pruebas. Ofelia, cumple la primera de ellas, pero cuando esta por consumar la segunda, despierta al hombre pálido que duerme sentado a una mesa plena de manjares, al comer unas uvas de una de las fruteras...termina no pudiendo concretar la prueba. Es en este punto cuando el poder de lo predictivo se somete a la capacidad volitiva de los hombres...la niña a decidido tras un momento de duda alterar, por primera vez, el curso de los hechos y en definitiva el derrotero marcado por el fauno.
Pensar en un guión, donde del Toro ha ido tomar inspiración en escritores místicos como Algernon Blackwood o Arthur Machen es ver la parte fantástica del filme desde otro costado. Muchos escritores del género gótico de fines del siglo XIX han jugado con ciertos personajes fantásticos como una representación de la ambigüedad moral.
Pensar en un guión altamente signado por una historia de Arthur Machen , es sin duda hablar de un argumento que toca por algún punto las poéticas del simbolismo o el decadentismo previo a las vanguardias del siglo XX. Recordemos que Machen creía en la presencia de seres fantásticos...en seres que eran capaces de obrar tanto el bien como el mal y el fauno de del Toro no es ajeno a tal circunstancia.

Ofelia; el fauno y Vidal.
Ofelia es sin duda el punto fuerte de inflexión entre ambas historias: la del laberinto del fauno y la que se ambienta en una España posterior a la guerra civil. La niña vive en el filme tanto las pruebas que le dicta el fauno como el rechazo del capitán Vidal (su padrastro), un hombre dominado por el orden militar con ciertas veleidades de redentor...el cree que la misión que se ha encargado (eliminar los últimos vestigios de la resistencia republicana) es algo que se debe hacer a cualquier costo y sin atenuante alguno.
Vidal se ha casado con la madre de Ofelia, la cual en el momento en que arranca el filme esta esperando un nuevo hijo; un varón cuyo próximo nacimiento es la gran preocupación del capitán; un niño que tendrá su rol a la hora de arribar al desenlace de la historia.
Pero retornando al desarrollo del relato, vemos como la magia que opera en las pruebas a que la somete el fauno, a Ofelia, le sirven para evadirse de una realidad cruel....Ofelia utiliza la misma tiza mágica de la segunda prueba, para dibujar una puerta en la pared de la habitación donde Vidal la ha encerrado y así poder huir con su hermanito en brazos hacia el laberinto....magia y realidad se toman de la mano; la tiza también funciona en la España de Franco.
En el primer encuentro con Ofelia, la niña le pregunta al fauno sobre su nombre, y el le responde “...he tenido tantos nombres” (4); frase que parece indicarnos distintos avatares en la vida del fantástico ser. Si bien el fauno es capaz de intentar ayudar a Ofelia en lo que respecta a la delicada salud de su madre, también es capaz de pedirle a la niña que sacrifique a su hermanito recién nacido.
El discurso final del fauno dirigido a la princesa del mundo subterráneo (cuando esta ya ha regresado a su reino tras la muerte de Ofelia) es poco convincente bajo la mirada del narratario: el fantástico ser solo quería a toda costa la sangre del niño. Tal personaje no es solo una figura vicaria sino casi un sinónimo de la del capitán Vidal en lo que hace a esa extraña relación entre el bien y el mal. Se establece una cierta simetría entre ambos protagonistas que estructura y da coherencia al filme.
Meticuloso en extremo, el capitán Vidal, lo demuestra día a día cuando elabora una especie de ritual del acto de afeitarse. Revisa cada parte de su rostro, evaluando el resultado de su afeitada mientras se escucha una melodía en el gramófono que ha puesto en funcionamiento. Pero, Vidal, también mata campesinos y tortura gente con la misma meticulosidad con que rasura su barba .Hiere de muerte a su propia hijastra que se halla con el niño en el portal luego de huir del encierro a que la tenía sometida...le quita al pequeño y al salir del lugar lo entrega a los rebeldes que lo están aguardando, como aceptando su derrota; luego se deja matar por el grupo republicano casi a modo de expiación.
Ofelia une las dos historias: la del fauno y la de Vidal y al mismo tiempo fuerza el desenlace al no aceptar dar la vida de su hermano en el portal; como en la segunda prueba obra por su propio arbitrio y vuelve a torcer el destino. Pero, es indiscutible que a la niña ambos personajes influyen en sus decisiones y la orientan hacia un destino final.
“No nací para compartir el odio, sino el amor”(5) le grita Antígona a Creonte; en la niña no hay durante todo el filme un solo rasgo de maldad o de venganza, pese a que su vida se ve rodeada de muertes: su padre cuando era pequeña; su madre al dar a luz a su hermanastro; los campesinos y guerrilleros que mata cruelmente su padrastro….ella se parece, en cierto modo, a la princesa, sin una pizca de maldad, que abandonó el mundo subterráneo para admirar las bellezas del mundo natural.
Con la lenta muerte de Ofelia que vierte su propia sangre sobre la extraña estatua del laberinto, se operan dos circunstancias en el desenlace de la historia: se convierte en la princesa del extraño mundo subterráneo y esta lista para vivir eternamente en su palacio y Mercedes (la criada de Vidal) recibe el niño de los brazos del capitán para criarlo. En cierto modo ambos finales intentan justificar la crueldad que acarrea la circunstancia de perder la vida de la niña....y desde otra mirada entronizan la figura de Ofelia como la de aquella que da la vida para obrar el bien; como el noble personaje femenino de Antígona.
Desde otro ángulo de análisis vemos como los mundos paralelos de del Toro: el del reino subterráneo y el de la España posterior a la guerra civil tienen sin duda algo en común: la idea del bien y del mal...una cuestión que mueve a los personajes del filme a obrar constantemente optando por una u otra idea. Ellos indiscutiblemente determinan también el cruce de dos historias, porque en verdad son dos historias que circulan por carriles paralelos como en algunas de las películas de David Griffith, allá por los comienzos del cine. Tal circunstancia no es meramente casual sino que es el principal recurso fílmico que a Guillermo del Toro le permite ahondar en ciertas preocupaciones personales por cuestiones de orden social y de ciertos valores humanos que distan bastante de lo meramente material....política, sociedad y creencias se manifiestan folletinescamente; con un estilo que traza así casi una caricatura del fauno y de la España de los ´ 40.
Tanto el fauno como Vidal son como una especie de emblema de esa España. De una época hispana donde el bien y el mal se confunden; donde el amor por un ideal puede generar un profundo odio hacia quien no lo comparte; donde los derrotados no cuentan demasiado al final de la historia.

Jorge Jofre.

Citas bibliográficas.

1) Garratt Viñes, Ernesto, “Simpatía por el diablo”, Revista Virtual Mabuse, Santiago de Chile, 31/8/2004.
2) Ibídem.
3) Del Toro, Guillermo, “El laberinto del fauno” (2007), tomado del diálogo inicial entre el fauno y Ofelia.
4) Ibídem.
5) Sófocles, “Antígona”. La protagonista se dirige con fuerza a su tío; pero no guarda resentimiento alguno en sus palabras.

Publicado el 2-11-2008 en Crítica.cl (Santiago de Chile).

“Buenos Aires Polo & Arts”

2008-10-26T07:44:00.000-07:00

Expondrán en la calle obras de Edgardo Giménez Carolina Antoniadis, Eduardo Pla y otros artistas famosos

Caballos de polo y arte invaden la ciudad

El 12 de noviembre, a las 19, se presentará en el Palacio Duhau “Buenos Aires Polo & Arts”, ambiciosa iniciativa que busca unir el arte, la solidaridad y el deporte. El proyecto culminará con la exposición en las calles de la ciudad y el posterior remate a total beneficio del Hospital Fernández, de treinta esculturas de caballos de polo intervenidos por destacados artistas como Edgardo Giménez, Carolina Antoniadis, Martiniano Arce, Marino Santa María, Eduardo Pla, Analía Werthein y Febe Defelipe, entre otros.
Este verdadero acontecimiento, que aportará color y animación a las grises calles porteñas, tiene el auspicio del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires y de La Martina. De su lanzamiento participarán, artistas, coleccionistas y personalidades del arte, como asimismo Mauricio Macri, el ministro de Cultura de la ciudad, Hernán Lombardi, y Miriam Bagó, Presidenta de la Fundación del Hospital Fernández.
En estos momentos, los treinta artistas que se integraron al proyecto están trabajando aceleradamente en la realización de las obras. Además de quienes se mencionaron, se ha invitado a pintores especializados en el tema del polo, como Alejandro Moy, Claudia Lucini, Gimena Ferrari y Silvana Commendatore.
Entre el 15 de noviembre y el 6 de diciembre los caballos estarán expuestos en un circuito integrado por Av. Alvear, la calle Arroyo y la Recova de Posadas.
La subasta tendrá lugar 9 de diciembre, en Tango Porteño, en el marco de una cena show para mas de 400 invitados. El 100% de lo que se recaude en el remate se destinará a la Fundación del Hospital Dr. Juan Manuel Fernández.

Buenos Aires Polo & Arts
Presentación: 12 de noviembre, a las 19
Palacio Duhau
Av. Alvear 1661

Ciudades de sueños y de pesadilla

2008-10-13T18:46:00.000-07:00

Impactante muestra de Martín Riwnyj en Galería de Santis

El jueves 20 de noviembre, a las 19, se inaugura en la Galería de Santis una muestra de Martín Riwnyj, artista argentino de sólida proyección internacional, que expone regularmente en importante salas de Europa y Estados Unidos y está considerado uno de los más importantes pintores “urbanos” de la actualidad.

La exposición está integrada por una serie de paisajes de gran tamaño que reflejan su particular visión de la ciudad, considerada como un ámbito natural de la vida contemporánea pero también un lugar en el cual el hombre siente la precariedad de una vida cotidiana anónima pero expuesta a situaciones inhóspitas y violentas. Ciudades de sueños aunque, también, de pesadillas.

Pero la aproximación del artista a esos paisajes no es realista sino tamizada por el sueño. Calles, terrenos baldíos, autos, contenedores, edificios de departamentos, perfiles inequívocamente ciudadanos se suman en una iconografía urbana con la que contrasta la soledad de los seres humanos y de algunos perros callejeros.

Martín Riwnyj nació en Buenos Aires en 1972 y vive alternativamente en su ciudad natal y en Roma. Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón y entre 1998 y 2002 realizó viajes de estudio por España, Francia Inglaterra, Escocia, Irlanda, Holanda e Italia.

Además de realizar exhibiciones en galerías y centros culturales de Argentina, expone regularmente su obra en el exterior, particularmente en Italia, España, Francia y Estados Unidos. Ha obtenido más de 30 distinciones, entre ellas el

1er. Premio en el Salón Nacional de Luján y el 1er. Premio en el Salón Pampeano de Pintura.

“Las pinturas de este artista son un espejo que refleja metafóricamente nuestra imagen –escribió hace un tiempo Fermín Fevre-. Para ello, él mismo se involucra en la escena que narra. Su pintura no es neutra ya que en el clima que crea, él está presente formando parte del mismo. Es por eso que logra situarnos a cada uno de nosotros en la escena narrada, que pierde así toda condición anecdótica para alcanzar una recreación existencial propia del ser humano de esta época. (…) Este joven artista abre un horizonte creador que ya lo distingue como uno de los más importantes exponentes de la nueva generación”.
La muestra permanecerá abierta hasta el 30 de diciembre.

Galería De Santi

Marcelo T. de Alvear 834

Tel. 4314-2049

Fotografía expandida

2008-09-07T07:28:00.000-07:00

"fotografía expandida"

La galeria 1/1 Caja de Arte informa que desde el Sábado 13 de Septiembre a las 12 hs se puede visitar la exposición de fotografías "fotografía expandida" de los artistas: MARINA CANTELI - GUILLERMO SRODEK HART - ANA LÍA WERTHEIN - VERONICA BONTA – SOL MATAS - MARTA PARDO – JUAN CARLOS ROMERO – SUSANA GALPERIN en la galeria 1/1 Caja de Arte, ubicada en Av. Segurola 4612, Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

La exposición permanecerá abierta de lunes a viernes de 14 a 18 hs, hasta el Sábado 27 de septiembre de 12 a 15 hs.

Entrada libre y gratuita

http://www.cajadearte.com.ar

El arte argentino en tiempos de Rosas

2008-09-01T18:08:00.000-07:00

Del 4 de septiembre al 5 de octubre en

el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA

El Jueves, 4 de septiembre, a las 12.30, se inaugura en el Pabellón de las Bellas Artes de la UCA la muestra “Bloqueos al Rio de la Plata en tiempos de Don Juan Manuel de Rosas”, una excepcional colección iconográfica que cubre un agitado período de la vida argentina, incluyendo el bloqueo anglo-francés a los ríos argentinos y la guerra con Francia e Inglaterra.

La muestra forma parte del Pabellón del Bicentenario, organizado por el Pabellón de las Bellas Artes y la Comisión Ejecutiva Bicentenarios Patrios de la UCA y está integrada por una serie de óleos, acuarelas, litografías y grabados de los más representativos artista de la época, como Juan León Palliere, Adolphe D’Hastrel, Emeric Essex Vidal, Carlos Pellegrini, Raymond Quinsac Monvoisin y Johanns Moritz Rugendas, entre otros precursores del arte plástico argentino.

La época que abarca la muestra coincide con el desarrollo del Romanticismo -literario artístico, político y social- en las márgenes del Plata y refleja también los avatares de un tiempo de convulsiones y encarnizadas luchas. Precisamente, el bloqueo y la guerra con Francia e Inglaterra fueron causas indirectas de que la iconografía argentina, cada vez mas prolífica, recibiese nuevos aportes.

El 20 de noviembre de 1845 las escuadras de Francia e Inglaterra, luego de apoderarse de los barcos argentinos en Montevideo, remontaron el Paraná. Como recuerda Cavanagh, “en la Vuelta de Obligado, las baterías de costa, al mando del General Mansilla, opusieron heroica resistencia, luchando todo un día con sus veintiún cañones de mediano calibre contra más de cien piezas de gran poder que disparaban los once buques –varios de ellos movidos a vapor – de la escuadra anglo-francesa”.

La llegada de las fuerzas navales francesas para combatir contra Rosas (de 1838 a 1840, acción reiniciada junto con Inglaterra de 1844 a 1847) fue, recuerda la curadora, “razón del arribo de Adolphe D’Hastrel, capitán de fragata, comandante de la Isla Martín García durante la ocupación francesa (1839-1840). Era un marino pintor, autor de una serie de dibujos, acuarelas y álbumes litográficos, especialmente atraído por las vestiduras exóticas que caracterizan su obra”.

De paso por Buenos Aires, continúa Cavanagh, “en 1842, Raymond Quinsac Monvoisin (contemporáneo de Delacroix), y, en 1845, Johanns Moritz Rugendas, dejaron verdaderas obras maestras. En el caso de Monvoisin, La Porteña en el templo, El Soldado de Rosas, y El Gaucho federal, con su chiripá, sombrero de embudo, pañuelo punzó y facón. A Rugendas corresponden el Desembarco, Una carreta, Gaucho boleando avestruces, El Malón, el Regreso de la Cautiva , y Carrera Cuadrera (donde puede reconocerse la figura de su amigo Esteban Echeverría cuyo relato del matadero se aprecia también en una obra de Carlos Pellegrini)”.

Asimismo, enriquecen el despliegue de esta muestra las obras de tres artistas presentados en Buenos Aires por primera vez: José Fonteneau, Jules de Sinety y el Almirante Sir Edward Augustus Inglefield. Este último, capitán de la corbeta Camus , que participó en la batalla de la Vuelta de Obligado, y negociador inglés con Rosas.

El interés de esta muestra va más allá de estético: en el tiempo de Rosas, muchos fueron los autores que dejaron instructivos aportes con imágenes artístico-documentales, cuya espontaneidad, pureza y testimonio, se pueden valorar en el Pabellón del Bicentenario.

Pabellon de las Bellas Artes - UCA

Alicia M. de Justo 1300, P.B.

Cierre: domingo 5 de octubre

Horario: martes a domingo, de 11 a 19

Entrada libre y gratuita

2008-08-25T14:59:00.000-07:00

AcuarellArte

FERIA DE ARTE SOLIDARIA

Pintura - Dibujo – Escultura – Fotografía - Instalaciones – Realidad virtual

Palais de Glace – 28 de Agosto al 3 de Septiembre de 2008

Introducción

La mirada, como instrumento interpretativo de nuestro cosmos, se ha ido complejizando a través de los siglos. El arte no podía estar ausente de esta dinámica. Desde las primeras pinturas rupestres hasta nuestros días ha sido muy rico y diverso el camino transitado. La mirada que interpela al arte, no sólo es la del artista -productor de arte- , sino también la del mercado, en su doble juego de oferta-demanda, la de la academia con sus campos teóricos reflexivos y de producción y la de la vida misma, asociada íntimamente a las prácticas sociales y a los significantes epocales.

Además, en plena sociedad de la información, el arte necesita de escenarios particulares, como esta muestra, , que potencia y vuelve a resignificar el lugar de la creación artística en el mundo de la posmodernidad.

Cabe señalar que los organizadores de la feria se propusieron, desde el inicio del proyecto, dotar de una fuerte impronta solidaria a .

Para ello convocaron a cuatros organizaciones de la sociedad civil de conocida trayectoria para ser parte activa de la propuesta. Ellas son: COAS, Fundación FERNANDEZ , ALPI y Fundación TZEDAKÁ

Por otra parte, la propia ciudad de Buenos Aires, indiscutido centro comercial y cultural no sólo de la Argentina sino de América latina toda, resulta ser un sitio ideal para reunir distintas tendencias del arte y del mercado del arte actual.

Objetivos

Instalar como un espacio vidriera que contribuya a la construcción de una racionalidad estética compleja, siglo XXI, a través de la convocatoria de artistas, galerías, editoriales y centros culturales y académicos nacionales e internacionales, que iluminen trabajos y tendencias actuales del arte.

Convertir a en un centro de referencia para comercializar las obras expuestas y para generar un mercado particular de las mismas.

Reposicionar las esferas: creativa académica, comunicacional y de consumo que forman parte del campo del arte contemporáneo.

Instaurar a como un nodo de información del acontecer artístico de Buenos Aires y del país, en su articulación con otros centros artísticos-estéticos-del continente y del mundo.

Contribuir a través de al consumo artístico de un público joven, entre 25 y 40 años, y a la difusión de los trabajos presentados.

Fomentar desde las infinitas posibilidades de la cooperación entre los distintos sectores que forman parte del mundo-mercado del arte actual.

Circuito de galerías

Coppa Oliver Arte - Laura Haber – Vía Margutta (Córdoba) – Desde la Plástica – Daniel Maman – Fundación Avón – Aldo de Sousa – Galería El Puente – Sara García Uriburu – Arte y Antigüedades – Norma Duek – Acuarell – Argentinartes – Galería Dharma - Arte por Argentinos – Espacio Centro (Córdoba) – Javier Baliña - Marcos Espinosa - Susana Cano - Artis Galeria

Artista invitado

Guillermo Roux

. en su primera edición , elije como artista invitado , en reconocimiento a su trayectoria y por unanimidad, al maestro argentino, Guillermo Roux.

Auditorio

Desfilarán: especialistas, desde los académicos a los creadores, pasando por galeristas, art dealers, críticos, coleccionistas, curadores y directores de museos y centros artísticos-culturales, responsables de políticas públicas y comunicadores.

El fin del auditorio es difundir y compartir ciertos recorridos específicos del campo de la plástica de la mano de sus protagonistas.

Los ejes temáticos a desarrollar son: arte y sociedad – arte y acontecimiento – arte y tecnología – arte y mercado del arte.

Horario: Todos los días de 15 a 21 horas

Espacio: “ La Plata en la Reina del Plata”

Artistas de origen platense, algunos de reconocida trayectoria y otros experimentales darán vida a un espacio propio, que propone constituirse como una síntesis posible de la enorme riqueza plástica que se genera en la capital de la Provincia de Buenos Aires.

Visitas guiadas

Todos los días, en horario a determinar, egresados de la carrera de “Historia del arte” de la UBA ofrecerán una recorrida por la muestra, destacando los diferentes aspectos artísticos-culturales de la misma.

Cócteles diarios solidarios

Todos los días hábiles, a las 19 horas, se realizarán encuentros a total beneficio de las entidades participantes:

ALPI: viernes 29 de agosto.

Fundación FERNANDEZ: lunes 1 de septiembre

COAS, Cooperadora de Acción Social: martes 2 de septiembre

Fundación TZEDAKA: miércoles 3 de septiembre .

Homenaje al Di Tella en la Galería Angel Guido

2008-08-25T14:53:00.000-07:00

Arte 60: la década de la provocación

El miércoles 10 de septiembre, a las 19, se inaugura en la galería Angel Guido Art Project la muestra “Arte 60” , cuyo propósito es homenajear al Instituto Di Tella en el cincuenta aniversario de su fundación. Para ello se ha reunido una excepcional selección de pinturas, esculturas y objetos de las cuatro tendencias fundantes de la renovación artística de los años sesenta: el informalismo, la abstracción libre, la geometría y el pop, representado por las grandes figuras del mítico Di Tella.

La exposición, curada por María José Herrera, resume buena parte del espíritu de la década del sesenta.

En el plano pop, Minujín con sus colchones, Puzzovio con los zapatos que presentara en las Experiencias 67 del Di Tella, el festivo mono albino de Edgardo Giménez, los figurines de moda de Delia Cancela y las pinturas inspiradas en el comic de Charlie Squirru. A su vez, trabajos de Fernando Maza y Eugenio Pucciarelli, miembros del Movimiento informalista, conviven con abstractos libres como Clorindo Testa, Kasuya Sakai, Víctor Chab, Antonio Seguí y Sarah Grilo.

La geometría se encuentra representada por Eduardo McEntyre, Carlos Silva, Manuel Espinosa, Rogelio Polesello y Juan Carlos Romero , entre los ópticos. En un cruce entre la geometría y el arte pop, la obra de Josefina Robirosa juega con lo gráfico. Polesello y Gyula Kosice aportan dos usos de un material considerado el non plus ultra de la modernidad: el acrílico.

Para acompañar a las obras expuestas, se proyectará un documental que muestra imágenes de otras tendencias, como la neofiguración, el arte de los medios, los happenings, y las ya míticas exposiciones del Instituto Di Tella.

Como expresa la curadora en el catálogo, la muestra consigue reflejar la esencia creativa de una década caracterizada, en lo artístico, por la rebeldía y la búsqueda. “La provocación del gesto anticonformista o libertario; la interdisciplinaridad del arte en que moda, diseño, plástica, poesía y publicidad confluyeron, son atributos de los 60s cuya pervivencia resignificada se verifica en el arte actual. Esta es, sin dudas, parte de la herencia de la era del disenso”.

Angel Guido Art Project
Suipacha 1217, Buenos Aires
Tel (+05411) 4328-9875 / 4326-5058 / info@angelguidoartproject.com

Obra de Teatro

2008-08-12T07:00:00.000-07:00

La violación de Lucrecia

William Shakespeare

unipersonal de Mónica Maffia

Teatro I.F.T.

Boulogne Sur Mer 549

Domingos a las 21.00 Tercera temporada

Auspicio del Instituto Nacional de Teatro

+ INFO www.laviolaciondelucrecia.blogspot.com

La violación de Lucrecia, poema magistral de William Shakespeare, sobre el abuso del poder. Unipersonal de Mónica Mafia. Música original: Ricardo Vergani (canta:Natalia Simoncini) Asistencia de dirección: Elizabet Casado

Los domingos a las 20,30, en el Teatro IFT, Boulogne Sur Mer 549, Mónica Maffía presenta La Violación de Lucrecia, poema magistral de Shakespeare, luego de sus funciones en el interior del país, auspiciada por el Instituto Nacional de Teatro. La entrada cuesta 25 pesos y hay descuentos para jubilados y pensionados

La 3° temporada de este unipersonal, de cuidada puesta artística, cuenta la violación de una muchacha en manos de un "intocable" y sus consecuencias políticas cuando el pueblo sale a la calle. La argumentación del autor sobre los deberes de los gobernantes y los derechos de los ciudadanos. La vigencia de un tema: cómo un acto privado deviene en un hecho político que pone fin a la monarquía y da pie a la constitución del Senado Romano.

LA VIOLACIÓN DE LUCRECIA

Dijo Rómulo Berruti:

El texto es de alto vuelo... La especialista en Shakespeare condensó con inteligencia el poema en un recital de cámara de menos de una hora... Con entrega y estilo, sin caer en los clichés isabelinos... simplemente actúa este relato y nos lo hace creíble. Pone fibra y nervio... Vale la pena verla. www.mundoteatral.com.ar

Dijo Eduardo Echaniz:

Con su traducción y dramaturgia, Mónica Maffía transforma el poema de Shakespeare en un monólogo teatral... espléndida y despojada versión. Arte, Cultura y Humor.

Dijo Sol Alonso:

La sutileza de la actriz para mostrar esta carga asfixiante, es mágica, nos la acerca con cuidado.... hasta que la crueldad del crimen injusto estalla y nos interpela directamente como personas y ciudadanos. www.imaginacionatrapada.com.ar

1ª Subasta de Fotografía Latinoamericana a beneficio de EMA

2008-08-07T09:33:00.000-07:00

Obras de Sara Facio, Marcos López,

Juan Doffo y otros grandes artistas

El 26 de agosto en el auditorio del MALBA. Desde el martes 19 de agosto se exhiben las fotos en la Fundación Mundo Nuevo

El martes 19 de agosto, a las 19.00 se inaugura en la Fundación Mundo Nuevo , la exposición de las fotografías que serán subastadas a beneficio de EMA (Esclerosis Múltiple Argentina) el martes 26 de agosto, a partir de las 19.00, en el auditorio del MALBA.

En esta 1ª Subasta de Fotografía Latinoamericana a beneficio, saldrán a la venta

112 obras de prestigiosos fotógrafos argentinos como Sara Facio, Alicia D’Amico, Marcos López, Alejandro Kuropatwa, Dani Yako, Fabiana Barreda, Juan Doffo, Facundo de Zuviría, Marcos Zimmermann, Esteban Pastorino, entre otros.

Se rematarán también fotos de artistas latinoamericanos, como Miguel Río Branco (Brasil), Flor Garduño (México), René Peña (Cuba) y Paz Errazuriz (Chile), además de obras de otros artistas de esos países y de Guatemala, Panamá, Uruguay, Perú, Puerto Rico y Venezuela.

Esta primera subasta de fotografías a beneficio de EMA cuenta con el auspicio del MALBA, Fundación Luz Austral, Christie’s Argentina, Fundación Mundo Nuevo, Secretaría de Cultura de la Presidencia de La Nación y Embajada de Gran Bretaña.

Las obras que no sean adjudicadas el 26 de agosto, se ofrecerán en remate online a través del portal Mercado Libre en la página www.mercadolibre.com.ar/subastaema, a partir del 27 de agosto, a las 12.00, hasta el 5 de septiembre, a la misma hora.

Los fondos recaudados serán destinados a promover y sostener los programas que desarrolla EMA con pacientes con esclerosis múltiple. EMA tiene como misión “mejorar la calidad de vida de las personas con esclerosis múltiple y la de su entorno familiar y social”.

Para más información : Rodrigo Podestá. Desarrollo institucional EMA.

4 831 6617- info@ema.org.ar – rodrigopodesta@ema.org.ar - www.ema.org.ar

encuentro entre el arte y los artistas

2008-07-24T12:01:00.000-07:00